Советы Мастеров (статьи известных хореографов)

[IMG]http://*********ru/1408578m.jpg[/IMG]

ИНСТРУМЕНТЫ ХОРЕОГРАФА
автор: Karen Dito

Даже самые опытные и умелые хореографы знают, что создание танцев – это ремесло, и, как и в любом ремесле, в хореографии существуют инструменты, которыми хореографы пользуются для организации успешных постановок. Но перед тем как рассказать об этих инструментах, я расскажу о двух очень важных вещах: о мотиве и теме.

Мотив – это мельчайшая частичка танца. Это может быть один шаг или жест. Вообще говоря, мотив – это важнейшее, неотъемлемое движение танца. В танце несколько мотивов. Хореограф занимается их развитием, и это называется мотив и развитие. Другие движения будут ставиться с учетом мотива, который закладывается в их основу.

Тема – это последовательность движений, которая остается одной и той же на протяжении всего танца. Однако тему можно изменять; это называется тема и вариация. Танцевальная наука заимствовала этот термин у музыки, и мы используем его для обозначения примерно того же самого, что и в музыке. В танце существует много тем, и хореограф может расставлять их в разном порядке (например, тема 1, тема 2, тема 3), чтобы разнообразить танец и сделать его интереснее для зрителя. Также хореограф может сделать так, чтобы один танцор исполнял одну тему, другой в это же время – другую, а группа танцоров - третью. Эта восхитительная техника хореографии называется сопоставление (juxtaposition).

А вот какими инструментами можно еще управляться с хореографией (информация заимствована из замечательной книги «The Intimate Act of Choreography» Lynne Anne Blom and L. Tarin Chaplin, Pittsburgh, PA: University of Pittsburgh Press, 1986)

Повторение (repetition) – повторяющийся мотив или фраза.

Ретроградность (retrograde) – исполнение мотива или фразы наоборот. Мотив или фраза начинается с конца и движения исполняются так, как если бы они демонстрировались на кинопленке, прокручиваемой обратно.

Инверсия (inversion) – изменение идеи движения так, что оно исполняется противоположной стороной тела.

Изменение размера (size) – сжатие или расширение движения.

Изменение темпа (tempo) – ускорение или замедление оригинального темпа или прекращение движения. Распространены ускорения и замедления вдвое и втрое. Вариации темпа могут склонить вас к изменению длины формации, однако старайтесь ее не менять.

Изменение ритма (rhythm) – внесение вариаций в ритм, а не в темп или продолжительность мотива или фразы. Попробуйте укоротить или удлинить временные интервалы, добавить синкопы.

Изменение качества (quality) – изменение качеств фразы. Например, если оригинальная фраза идет непрерывно, сделайте ее прерывистой.

Инструментовка (instrumentation) – исполнение движений другой частью тела или несколькими частями. Например, тело целиком совершает движение руки. Если танцует группа, один танцор может исполнять оригинал, а другие – вариации движения.

Изменение силы (force) – вариации мощности движения. Учтите, что должна изменяться только сила движения, а не его пространственная или временная характеристика.

Бэкграунд (background) – изменение положения тела и исполнение фразы. Например, падение на пол и исполнение оригинальной фразы. Если танцует группа, один танцор исполняет бэкграунд, а другие исполняют чистую фразу.

Стейджинг (staging) – исполнение мотива в другом месте сцены или исполнение после поворота на месте.

Украшение (ornamentation) – добавление движений рук, головы, тела к оригинальной фразе.

Дополнение (additive) – добавление прыжков, подъемов, поворотов к оригинальной фразе.

Добавление или вычет движений к фразе/из фразы (augmentation/demunition) - исполняется первое движение, затем исполняется первое и второе движение, затем исполняется первое, второе и третье движение, и так далее. Вычет – то же самое, только наоборот.

Дробление (fragmentation) – использование только одной части оригинала или нескольких частей для создания подобия оригинала, но не для его полного повторения. Например, исполнение части начала, части середины и самой концовки оригинала.

Комбинация (combination) – объединение во времени любых упомянутых выше приемов.

Это только немногие стандартные способы, при помощи которых хореографы манипулируют фразами и мотивами движения. Лучший способ понять их перед тем, как попробовать самому – это наблюдение за танцующими людьми «вживую» и по видео.

Когда вы будете готовы приступить к использованию инструментов хореографа, начните с пары-тройки мотивов и тем. Мне на моих уроках по введению в хореографию поначалу дали задание создать одну тему и разнообразить ее, используя все описанные выше приемы. Удивительно, сколько материала можно извлечь из одной простой темы, если использовать подход настоящего хореографа!

[IMG]http://*********ru/1425989m.jpg[/IMG]

ВЫРАЖЕНИЕ ЧУВСТВА В ТАНЦЕ
автор: Shira

Эти советы, преимущественно, для исполнительниц индийского танца, но они, безусловно, будут полезны и танцовщицам других танцевальных стилей.

Когда люди впервые начинают учиться танцу, учителя часто сосредотачиваются на одной технике: правильном способе исполнения движения. Конечно, техника важна. Плохая техника плохо смотрится и даже может привести к травме. Но одной техники недостаточно. Танец – это вид искусства, а искусство – это выражение, эмоция, душа и дух.

Если вашему танцу недостает душевности, возможно, вы даете слишком много полномочий стороне вашего мозга, отвечающей за логику и организованность. Возможно, вы настолько заняты обдумыванием того, что станцевать дальше, что забываете просто наслаждаться тем, что делаете. Возможно, вы думаете: «Выключила ли я духовку?» Возможно, вы сосредотачиваетесь на попытке исполнить новое сложное движение как можно идеальнее. Возможно, вы гадаете, что о вашем танцевании думает учительница, если она так на вас смотрит. Все эти вещи могут отвлекать. Занятый мозг уводит ваше сознание от радости танца.

Поэтому вам нужно найти способ освободить мозг от всего, что вас отвлекает, и как бы переместить его в «другое» место, где не существует ничего кроме вас, вашей музыки и вашей реакции на музыку. Исследуйте ваш дух, перестаньте думать хотя бы на несколько минут. Каждый танцор добивается этого по-своему, но существует один метод, который срабатывает у многих:

Выберите музыку, которая трогает ваше сердце, будоражит воображение, вызывает страсть, пробуждает дух и т.д.

Слушайте эту музыку снова и снова, до тех пор, пока не выучите ее настолько, что она начинает звучать в вашей голове при первой же мысли о ней.

Пока вы слушаете эту музыку, позвольте себе ощутить ваш эмоциональный отклик. Добудьте перевод песни, если есть возможность. Определите чувство, которое вызывает в вас музыка и песня. Восхищение? Духовная радость? Желание уйти внутрь себя? Печаль?

Теперь в спокойной обстановке вашего дома станцуйте под музыку и попробуйте удержать эмоцию, которую она в вас вызывает. Я не прошу вас состроить искусственный рот до ушей или притворно нахмурить брови. Нет, погрузитесь в себя и попытайтесь установить контакт с вашим эмоциональным «я». Не волнуйтесь, что повторяете одно и то же движение, что какая-то техника не очень удалась. Танцуйте сердцем, а не головой.

Совершайте эти «танцы эмоционального отклика» регулярно у себя дома. Конечно, вы по-прежнему хотите танцевать технично и точно. Поначалу не пытайтесь совмещать два этих танца. Тренируйтесь один раз так, другой – этак. Приобретите достаточно опыта в каждом виде тренировки, чтобы почувствовать себя комфортно с обоими типами танца.

Как только вы научитесь чувствовать эмоции на протяжении всего танца и не терять их, начните совмещать эмоциональное и техническое и перейдите к тренировке и того и другого одновременно.

За годы моего танцевального опыта я познакомилась с разными танцорами, которые использовали разные техники для того, чтобы выйти в «эмоциональную зону» на выступлении. Некоторые спокойно медитируют в раздевалке. Другие «раскачивают» себя танцами под музыку предшествующего исполнителя, впитывают в себя музыку как только могут, погружают себя в нее.

Вот некоторые эмоции, которые вы можете испытывать во время танца:

Радость («Это так здорово!», «Я влюблена и хочу, чтобы весь мир об этом знал!», «Я люблю эту песню!»)

Печальные раздумья («Скучаю по тем счастливым дням, когда я любила, но надо ведь двигаться…»), эффективны под медленную песню и волны, а также под работу с платком.

Сила, мощь, могущество, идеальные под драматичную музыку («В моих руках – власть!»)

Поддразнивание, заигрывание («Спорим, ты так не сделаешь!», «Вот как я могу!»)

Озорство («Интересно, как долго еще официант не догадается, что я иду вслед за ним?»)

Удивление («Ого! Я и не знала, что такое умею»), во время исполнения сложного движения.

Дерзкая независимость («Я лучше буду одна, чем буду с таким как ты», «У меня есть прекрасная работа, прекрасные друзья, зачем мне мужчина, чтобы все портить?»)

Юмор, хорош, когда вы сделали глупую ошибку (Вы запутались в платке, выбираетесь из него, бросаете на сцену и «пристреливаете» указательным пальцем)

Предвосхищение, помогает создать ощущение драматичности происходящего при использовании реквизита («Свалится ли этот меч с моей головы?»)

Эти советы – только начальный этап. Исследуйте свою душу, чтобы найти собственные эмоции, которые подходят под вашу музыку и танцевальное выражение.

Отдельно от танца как такового ищите способы, какими можно исследовать ваш творческий потенциал. Возьмите уроки рисования. Заведите дневник, в котором записывайте мечты и полеты фантазии. Чем больше времени вы проводите над созданием чего-либо, тем комфортнее вы будете чувствовать себя, общаясь со своей душой во время танца.

Для некоторых людей творчество и эмоциональное выражение естественны. Для других это навык, которому нужно учиться. Ему можно научиться. Секрет в том, чтобы выкинуть все ваши мысли «занятого мозга» и позволить себе чувствовать. Возможно, поначалу это будет даваться не так просто. Но продолжайте работать, здесь как с любым навыком: чем больше работаешь, тем легче дается. Не думайте, что страсть хлынет из вас на первой же тренировке. Гордитесь даже самыми маленькими успехами – каждый из них приближает следующий.

Похоже, у некоторых людей природный дар на изучение хореографии. Но у большинства из нас такого дара нет. К счастью, запоминание хореографии – это навык, а навык можно освоить.
Вот, что в первую очередь нужно для штудирования постановки:

Реалистичные цели
Внимание к музыке
Понимание пределов своих сил
Оптимальный подбор метода обучения
Ведение записей
Репетиции, репетиции, репетиции

Ставьте достижимые цели

Если вы – новичок в разучивании постановок, не требуйте от себя слишком многого. Если вы собираетесь посетить четырехчасовой семинар, проводимый инструктором международного уровня, имейте в виду, что большинство танцоров, присутствующих там, окажутся сезонными профессионалами, ищущими новых сложностей. Не надейтесь учиться так же быстро, как это делают они, и не думайте, что вы будете танцевать так же изящно. И самое главное – не надейтесь, что выучите всю хореографию, которая будет представлена в течение этих четырех часов. Довольствуйтесь тем, что уйдете с семинара, узнав то, чего не знали раньше: может быть, одну или две замечательных комбинации, несколько стилевых решений, новости из мира танцевальной моды.

Не будьте к себе жестоки. Ставьте перед собой цели, которые соответствуют уровню вашего танцевального опыта. Несмотря на то, что я танцую больше двадцати пяти лет, я посещаю четырехчасовые мастер-классы с единственной целью – унести оттуда всего пару новых движений, чтобы разнообразить свой стиль. Я не собираюсь забирать всю хореографию, я просто отбираю то, что вдохновляет меня на работу для моих собственных сольных танцев. С таким отношением к процессу я могу расслабиться и получить от семинара удовольствие.

Пусть вы разучиваете постановки не на семинарах, а на регулярных уроках в студии танца - все равно не давите на себя. Даже если обнаруживаете, что вы, человек, учившийся танцевать пять лет (пусть и самостоятельно), учитесь у нового учителя медленнее, чем остальные ученики, танцующие максимум год. Не расстраивайтесь.

Подумайте: ведь они начинали заниматься у него с самого начала, и если этот учитель с самого начала научил их осваивать постановки, у них наверняка больше опыта в этом деле, чем у вас. Кроме того, эти ученики знакомы с любимыми комбинациями инструктора, а вы, возможно, видите их впервые. Не попадайтесь в ловушку, думая, что вы должны учиться быстрее их просто потому, что дольше занимаетесь танцами.

Подстраивая свои цели и ожидания под реальные возможности, вы избавляете себя от стресса. Пребывая в стрессе, довольно сложно постигать новое. Планируйте учебный процесс, учитывая те условия, в которых вы чувствуете себя комфортно. Перенаправьте энергию той части мозга, которая отвечает за сомнения и страх неудачи, на созидание, на наслаждение от уроков. И все пойдет как по маслу!

Впитывайте музыку
Хорошая постановка непременно учитывает музыку. Конечно, это кажется очевидным, не так ли? Но сложно почувствовать новую музыку одновременно с разучиванием новых движений в новом для вас порядке. Поэтому если вы можете очень, очень близко познакомиться с музыкой вне уроков, непременно сделайте это: на занятиях вы будете знать, чего ждать от композиции, и сможете сосредоточиться на движениях.

Если есть возможность, сделайте копию необходимого диска до мастер-класса. Если же вы занимаетесь регулярно, заполучите копию в первый же день разучивания движений – и немедленно приступайте к знакомству.

Прослушайте музыку. Слушайте ее долго, много. Пусть она звучит в вашем плейере, если вы не дома. Пусть она звучит в машине, с утра до вечера. Слушайте ее за ужином, за готовкой и на прогулке.

Сделайте заметки о структуре песни. Большинство песен делятся на четыре или пять мелодических сегмента. Если формат песни - куплетно-припевный, то в ней, как правило, два отдельных мелодических сегмента в куплете, еще два в припеве и один в качестве инструментального перехода между припевом и началом следующего куплета.

Озаглавьте каждый сегмент: «Куплет 1», «Куплет 2», «Припев», «Переход». Или «Мелодия 1», «Мелодия 2», «Мелодия 3», «Мелодия 4» и т.д. Прослушивая песню, запишите, какие музыкальные сегменты вы слышите в данный момент. Потом проанализируйте то, что получилось. Еще раз прослушайте песню и отчетливо представьте ее структуру. Чем лучше вы знаете музыку, тем лучше сможете связать с ней движения хореографии.

Наконец, еще раз пройдитесь по музыке и определите, какое движение подходит к тому или иному сегменту. Некоторые хореографы придерживаются принципа паттернов, всегда используя одно и то же движение (и его вариации) при звучании конкретной мелодической линии. Изучите структуру песни на предмет того, можно ли применить к каждому из ее сегментов вариации того или иного движения. Например, для одного своего танца я использовала вариации движения 1 для инструментальной части №1, вариации движения 2 для инструментальной части №2, движение 3 для вокальной части №1 и вариации движения 4 для вокальных частей №2 и №3.

Репетируйте хореографию в уме
Этот совет не сгодится, если вы собираетесь посетить многочасовой мастер-класс, на котором хореография идет сплошным потоком, но будет полезен, если вы посещаете курс из нескольких занятий.

Вы познакомились с музыкой и знаете ее наизусть. Вы готовы приступить к умственным репетициям. Их огромное преимущество заключается в том, что репетировать можно где угодно: в машине, на прогулке, перед сном, даже на работе.

Обратитесь к составленному вами списку движений для песни и заучите наизусть первые два движения списка. Только первые два. За остальными вы еще вернетесь.

Включите музыку и вообразите, как исполняете эти первые два степа. Исполнив их, начните сначала. Делайте так, пока не отточите их до безупречности.

Четко проработайте в воображении переход от первого степа ко второму.
Отработайте движения и позиции рук и ног во время перехода.
Следите за песней, поддерживая сочетаемость музыки и движения. Старайтесь как можно крепче связать музыку с движением.
Добившись чувства полной уверенности в первых двух движениях и в переходе между ними, привнесите в умственную репетицию третье движение. И снова репетируйте без устали до того момента, пока движения, гармонизированные с музыкой, не будут доведены до автоматизма.

Продолжайте добавлять движения. Каждому из них уделяйте столько времени, сколько необходимо – не экономьте, не торопитесь.

Если вы вдруг обнаруживаете, что забыли, какое движение идет следом за проработанным, нажмите кнопку паузы на проигрывателе и, прекратив репетицию, начните вспоминать. Если вспомнить не удается, обратитесь к записям, после чего вернитесь к началу песни и проделайте все заново.

Делайте это снова, снова и снова – в машине, в метро, на работе (если условия позволяют), во время готовки, в любое другое время, когда можно слушать плеер. Повторение – ключ к запоминанию. Вы удивитесь, когда поймете, как эффективны бывают тренировки в уме!

Не берите на себя слишком много
Знайте пределы своих возможностей. Если вы менее опытны, чем ваши соученики, не надейтесь, что будете учиться столь же быстро, как и они. Просто делайте, что можете, и не впадайте в отчаяние, если будет получаться хуже, чем у остальных.

Вы можете обнаружить, что движение дается вам, если вы задействуете только ноги и бедра. Привлекая к делу руки, вы теряете суть и запутываетесь. В этом случае просто откажитесь от рук. Делайте, что получается, сосредотачиваясь на правильном исполнении.

Если у ваших соучеников дела идут лучше, вспомните, что они, возможно, более опытны в запоминании хореографии или уже знают некоторые комбинации, предлагаемые учителем. Не вините себя в том, что вам дают больше, чем вы можете осилить. Сконцентрируйтесь на освоении того, что способны освоить. Пусть это меньше, чем могут ваши соученики, но это – ваше. Нет никакого позора в осознании пределов своих возможностей и принятии их.

Не сдавайтесь, даже если трудно. Даже если на четырехчасовом семинаре спустя два часа после начала вы обнаруживаете, что больше не в состоянии впитать ни одного движения. Отойдите в задние ряды или станьте у стены помещения. Когда инструктор начнет повторять то, что уже преподал, станцуйте ту часть, которую выучили, а в остальное время просто стойте и смотрите, не ставя никаких целей.

Помните, что основная цель выучивания хореографии – обогащение собственного танцевального стиля при помощи новых движений и комбинаций, пусть даже немногих.

Познайте себя
Ученые утверждают, что разные люди учатся совершенно по-разному. Некоторые из нас учатся глазами. Другие – ушами. А некоторые – посредством движения. Попробуйте определить, как учитесь вы.

Если вам это известно, подумайте, как использовать это знание на благо разучивания хореографии. Лично я учусь глазами. Я лучше вспоминаю то, что прочитала, чем то, что услышала. Поэтому если инструктор дает мне письменные заметки по хореографии, я беру их с собой и обращаюсь к ним при разучивании движений. Если инструктор не дает мне никаких записей, я делаю собственные.

Если вы лучше запоминаете устную речь, попросите у инструктора разрешения записывать его реплики на диктофон во время занятия. И сосредоточьтесь на том, что он говорит, на музыке, которая звучит во время урока.

Если у вас хорошо развито восприятие физических движений, сконцентрируйтесь на переходах от одного движения к другому. Тренируйте переходы снова и снова. Также можете два или три раза переписать свои записи – это переписывание того, что нужно делать, впечатает движение в вашу память.

Конечно, у вас могут быть собственные идеи относительно техник запоминания. Экспериментируйте с ними, подбирайте ту, которая подходит вам лучше остальных.

Делайте записи
Некоторые инструкторы снабжают вас методичками. Некоторые оставляют без них. Если ваш учитель относится к первым, держите методичку при себе во время обучения и обращайтесь к ней, чтобы определить, какое слово учитель использует для обозначения того или иного движения. Затем добавляйте собственные комментарии, объясняющие движение понятными вам словами. Рисуйте, если умеете.

Ни в коем случае не пренебрегайте выданной вам методичкой. Когда вы описываете движение собственными словами, ваш мозг анализирует его, и так оно лучше запоминается.

Тренируйтесь, тренируйтесь, тренируйтесь!
Когда у вас есть время и место для репетиции, повторяйте хореографию. Не забывайте и об умственных репетициях. Следите за музыкой, думайте о том, как вписываются в нее движения. Тренировки переносят их из вашего сознания в ваше тело.

Если существует какой-то конкретный степ, который вы постоянно забываете, попробуйте этот прием: сначала выучите, как заканчивается предыдущий степ. Проанализируйте действия, которые вам необходимо совершить ногами, бедрами, руками, чтобы перейти от этого степа к тому, что вы забываете. Затем отрепетируйте только эти два степа. Делайте упор в своем сознании именно на концовке первого степа, на переходе ко второму, а не на самом втором степе. Теперь вспомнить его будет проще.

Другие идеи
Некоторым людям помогает придумывание. Может быть, и вы принадлежите к их числу. Проверьте. Проименуйте каждый степ названием животного. Волну назовите коброй, подпрыгивание – кроликом. Если подпрыгивание идет сразу за волной, пусть в вашем сознании это будет погоня кобры за кроликом.

Тренируйтесь с товарищем. Вдвоем вам будет легче вспоминать выученные на уроках степы.
Если ничего не получается
Самое главное – не вините себя. Может быть, вам никак не дается именно эта хореография. Не все хореографы создают простые, интуитивно понятные постановки. Помните, что ключ к запоминанию простой хореографии – повторение. Воспользуйтесь им снова и снова. Если толку по-прежнему нет, возможно, проблема не в вас, а в самой постановке.

Если же хореография дается вашим соученикам, а вам – нет, опять успокойте себя тем, что, возможно, они знакомы с ней лучше вас. Выучите, что можете, преследуя собственные цели, адекватные уровню вашей подготовки.

Если вы разучиваете постановку в течение курса занятий, воспользуйтесь методикой репетиции в уме и определите, какие образы даются вам проще – визуальные, слуховые или кинетические. Постоянно практикуя приведенные в статье техники, вы добьетесь интуитивного их восприятия, и они облегчат вам задачу освоения хореографии.

Источник: www.shira.net , автор: Shira

http://www.idance.ru/photoshrink.php...672p_chor1.jpg

КОМПОЗИЦИОННЫЕ ЭЛЕМЕНТЫ ТАНЦА
автор: Anthea

Хореография кажется вам тайной? Может быть, вы думаете, что «способность сочинять даруется небом и холодное прикосновение мысли и анализа только разрушает вдохновение хореографа» (Doris Humphrey, The Art of Making Dances)? Да, вдохновение – это от бога, но управлять им можно при помощи мозгов. Давайте развеем таинственность процесса хореографии и рассмотрим некоторые композиционные средства, которыми пользуются хореографы при создании своих танцев.

Начало вашей музыки, когда вы выходите на сцену (или начинаете танцевать, если уже стоите на сцене) может походить на остальную часть музыки, а может и отличаться от нее. Музыка, которая сочиняется специально для сценического танца, имеет увертюру, во время которой происходит выход на сцену, но вы можете выбрать музыку без увертюры – тогда отделять начало от середины и концовки придется лично вам. Я обозначаю начало тем, что использую более простой пассаж и совершаю под него менее сложные движения, чем те, которые последуют потом. Шаги по сцене здесь почти необходимы – поэтому позвольте ритму вести вас. Когда музыка говорит вам, что делать, танцевать становится так легко!

У вашего танца всегда есть определенное место в пространстве. Запомните, что центр сцены (вы стоите лицом к зрителям) – это основная точка, пространственная база танцевального номера. Подумайте, какие шаги можно использовать, чтобы перемещаться по сцене:

- по прямой вперед, назад, в стороны, по диагонали: буква V, буква T, зигзаги;
- по изогнутым линиям (круги, дуги, восьмерки, спирали).

Пробуйте перемещаться по этим линиям (они называются линиями танца), становясь лицом вперед, боком или спиной по отношению к ним. Например, вы можете мелкими шажками пройтись по кругу лицом к линии танца или сделать это бочком, акцентируя внимание на каком-нибудь изолированном движении. Повернуться – простейший из способов, которыми танцу придают новый вид.

Вы еще здесь? Итак, смотрите, что нужно сделать. Станцуйте, Обдумайте, Потом Снова Станцуйте – и снова обдумайте!

Теперь у вас есть идея, и вы можете ее развивать. Чтобы разнообразить простую идею движения, хореографы пользуются такими штуками, как АБА, паттерн/смена (pattern/change) и тема и вариации.

1. АБА означает, что повторяющийся элемент чередуется с чем-то еще (степом, движением, последовательностью, комбинацией и т.п.) Например, имеется комбинация шагов:
1. медленный степ (А), 2. быстрые степы (Б), 1. медленный степ (А), поворот (В); складываем все вместе – и получаем АБАВ.

2. Паттерн/смена, наверное, самый популярный элемент композиции. Степ, движение, часть тела, которая используется чаще всего остального в конкретной последовательности, называется «паттерном», сменой в этой последовательности может служить переход к следующей последовательности или более определенное изменение в танце.

Например, в последовательности серии шагов на восемь счетов используется простой шаг в течение шести счетов и что-то еще в течение остальных двух; простой шаг – это паттерн, а «что-то еще» (кружение? изменение направления? остановка? подпрыгивание?) – это смена. Смена может быть вставлена в любое место последовательности, но чаще всего она находится в ее конце и выступает в качестве перехода.

3. Тема и вариации – интересный инструмент хореографа. У вас есть последовательность шагов или движений, которая повторяется; но в каждом степе или движении вы постоянно что-то меняете.

Еще один пример серии шагов:

Вы совершаете большой круг по сцене и держите реквизит на уровне плеч:
8 счетов – простой шаг в ритм лицом к линии танца,
8 счетов – быстрый шаг по линии танца,
8 счетов – простой шаг с изолированным движением по линии танца, но всегда лицом к зрителям.

Такова последовательность.

Во время повтора последовательности одной простой вариацией может быть держание реквизита в другом положении. Последовательность остается той же самой, но меняется положение тела.

Все это указывает на одно из самых интересных явлений в танце – бесконечное разнообразие возможных движений.

Когда вы разучиваете хореографию на уроке или мастер-классе, анализируйте основополагающие элементы танцевального произведения. Вы видите, что танец составляют не только серии степов или движений, связанные вместе, но и конкретные композиционные средства. В жизни все мы неосознанно ищем паттерны, при помощи которых пытаемся создать порядок из хаоса. Если вы будете делать это, когда учите танец, вам будет легче его запомнить – что, согласитесь, большой плюс!

Мы рассмотрели некоторые средства, при помощи которых создается хореография: например, паттерн/смена и тема и вариации. Эти средства применяются не только в отношении движений, но и в отношении мотива и развития (Motif & Development), о которых мы сегодня поговорим: выбор движения («мотив») и исполнение его несколькими разными способами. Вы увидите, что использование примеров, которые будут даны ниже, очень помогает в импровизации.

Какое ваше самое любимое движение? Включите музыку и некоторое время поиграйте с одним этим движением. Танцуйте только под музыку, в которую это движение вписывается.

Пока вы танцуете, подумайте, как можно изменить движение: растянуть его по времени – или наоборот: сделать так быстро, как только возможно.

Зачастую бывает проще исполнять быстрые движения с меньшей амплитудой, чем медленные, однако попробуйте и большие быстрые движения, а также маленькие медленные.

Конечно, вы знаете, что очень многие движения в танце могут быть сделаны задом наоборот (в обратном направлении) – и это одна из первых идей, которые мы сегодня узнаем.

Измените направление взгляда: совершите движение, смотря на воображаемый зрительный зал, а потом посмотрите в другую сторону и зафиксируйте, как изменились ваши ощущения. Исполняя движение, меняйте положение рук, ног или тела, ходите по «сцене» и снова меняйте позу.

Исполните части движения быстрее, чем его остаток, если есть возможность – создайте в рамках движения определенный ритм или акцентируйте часть движения. Попробуйте исполнить движение несколько раз в ритмичной манере: один раз – медленно, другой – быстрее, третий – быстро; завяжите это чередование на музыке. Если в течение какого-то времени вы исполняете движение на средней скорости, а затем делаете акцентированную ритмическую вариацию, то получается паттерн/смена – композиционное средство из первой части статьи.

Придумайте, как разнообразить движение так, чтобы получилась интересная тема и вариации. Например, вот простая трехчастная тема:

1 – умеренный темп
2 – медленный
3 - быстрый

Когда вы повторяете вашу тему, каждый раз, когда вы делаете 1, ваше движение исполняется в умеренном темпе, но все, что не относится к темпу, вы можете менять: количество исполнений, расположение на «сцене», позу и т.д. То же самое справедливо для 2 и 3.

Ух! Становится сложно, а мы ведь говорим пока только о простых движениях! Теперь при исполнении первого движения добавьте второе движение другой частью тела: например, если вы совершаете движения бедрами, добавьте движение рукой; если рукой – то головой и т.д. Также вы можете использовать слой – то есть добавить движение той же частью тела: например, если основное ваше движение – перекат бедрами, добавьте шимми бедрами; если вы делаете шимми плечами, добавьте поднятия плеч. Экспериментируйте.

Существует очень много способов разнообразить движение – их даже больше, чем мы обозначили в двух статьях; того, о чем рассказывается в этих двух статьях, хватит для начала. Не думайте, что все у вас получится на первой же минуте! Размышляйте над каждой идеей композиции, над каждым ее средством, и тренируйтесь, пока не почувствуете, что полностью все понимаете. Некоторые средства композиции сложнее, чем другие, поэтому на их освоение придется выделить немного больше времени (на отработку продолжительности, позы, темпа и т.д.) Вы можете обнаружить, что теперь к движению, которое вы обычно делали на автомате, используя стандартный темп и стандартное положение тела, вы относитесь совершенно по-другому, видите новые его горизонты.

Надеюсь, что так и случится – надеюсь, эти средства композиции и упражнения в совершенствовании их использования помогут вам еще больше наслаждаться танцем и еще больше его ценить.

http://www.idance.ru/photoshrink.php...0/665p_ch2.jpg

ПЕРВЫЕ ШАГИ ХОРЕОГРАФА
автор: adelaide

Работа над первым хореографическим номером может стать для вас настоящим кошмаром! Вспоминаю свой первый раз, когда я уломал себя выступить в роли хореографа для команды танцоров… тогда я ничего не знал об этом искусстве. Ну, тогда я еще даже никого не учил, просто танцевал.

Ситуации как эта, сопряженные с сильным стрессом, могут заставить вас засомневаться в своих навыках, в способности управлять командой, могут поставить под вопрос вообще все ваше существование как педагога танца. Когда нервы сдают и тебя переполняют сомнения в собственных силах, очень сложно быть креативным и работать с вдохновением.

Прибавьте громкости и двигайтесь!

Так как же преодолеть себя, успокоить нервы и начать работать? А очень просто: не надо думать! Просто танцуйте и делайте то, что знаете! Вместо того чтобы волноваться о роли или должности, которая у вас появилась, просто забудьте, что вы хореограф, и станьте обычным танцором, который хочет поделиться с другими своим креативным богатством. Звучит просто, но это действительно просто, и это лучший совет, который я могу вам дать.

Когда я начинаю работать над номером, первое, что я делаю – представляю, как должен выглядеть танец, если наблюдать его из зрительного зала. Представляйте не движения одного человека, а номер в целом. Часто когда движения одного танцора кажутся плохими, в командной игре они преображаются и ложатся в основу прекрасного выступления, восторгающего зрителей. Так что, представляя номер из зала, лучше смотреть мысленным взором на все разом.

Как только у вас появился образ будущего номера с точки зрения зрителя, переходите к составлению короткой танцевальной комбинации. Выберите знакомую музыку и станцуйте последний номер, который вы выучили, но сделайте во всех его движениях какие-нибудь небольшие изменения. Эти изменения помогут вам начать хореографический процесс.

Переделки

Например, переделайте движения так, чтобы вместо тупых углов получались острые, и действия совершались резко, отрывисто. Вместо того чтобы от счета до счета менять по одному движению, станцуйте что-то вроде серии поз. Ладони превратите в кулаки, или же «бейте» ребром ладони. Измените направление движений. Исполните номер наоборот. Вставьте в номер несколько новых движений и поэкспериментируйте с ними.

Теперь у вас есть собственные танцевальные движения. Выберите из них 16 штук и станцуйте с партнером. Это – начало хореографии! Я не говорю, что вы должны заимствовать движения вашего учителя или какого-нибудь хореографа – нет, возьмите их и видоизмените так, чтобы они стали вашими собственными. Со временем у вас наберется большая библиотека, которая постепенно и определит ваш хореографический стиль.

Чтобы положить движения на музыку, сначала разложите на части музыкальную тему. Опять же, лучше брать хорошо знакомые песни. Распишите количество ударов на каждую часть следующим образом:

вступление 2*8 (это означает, что во вступлении две фразы по восемь ударов)
куплет 4*8
переход 2*8
припев 4*8
ит.д.

Решите, куда вставить блоки, отдельные изменения, работу с реквизитом. Не забывайте – хоть вы и танцор, вы же и хореограф, так что всему голова – вы! Вот что у нас получается:

вступление 2*8 – блок 1
куплет 4*8 – блок 2
переход 2*8 – смена формации
припев 4*8 – использование реквизита
и т.д.

Вставляйте ваши танцевальные движения в любую из частей. Начните с той части, с которой вам легче всего работать, сложные оставьте на потом. Хореография не должна начинаться с первой ноты – вы можете начать хоть с конца, а начало заполнить в последнюю очередь.

Творческий кризис

Когда вдохновение вас покидает и вы испытываете творческий кризис, когда вам сложно закончить начатую хореографию, исследуйте другие танцевальные номера. Я регулярно смотрю музыкальный канал, и это помогает мне генерировать новые идеи. Еще можно понаблюдать, как танцуют на эстраде, в музыкальных фильмах и на соревнованиях.

Когда вы создаете танец, не забывайте об этих источниках, откуда можно черпать вдохновение. То, что ваша хореография испытала влияние других хореографов – ничего страшного. Не надо с этим бороться. На всех нас кто-то или что-то влияет. Помните, ни у кого нет частных степов, так что смело используйте их – переделывайте. И потом, когда как источник используют вас – гордитесь!

Со временем вы приобретете уверенность в своих навыках хореографа, достаточную для того, чтобы пробовать все более оригинальные движения – и создавать действительно собственные. Необычная и инновационная работа может быть очень полезной, так что, пожалуйста, не ограничивайте себя в движениях и не ограничивайтесь тем, что я написал. Когда делаете номера, наслаждайтесь этим – хореография открывает новый прекрасный мир!

Вот и все…

До сих пор помню первый показ моей первой работы. Я так сильно нервничал! Где-то на середине номера мне удалось оторвать глаза от танцоров и посмотреть на зрителей. Оказалось, им нравилось выступление! И потом они так рьяно хлопали! Я был очень горд танцорами и понял, что, выступив в роли зрителя, сам пришел в волнение от своей постановки!

Вы боитесь заниматься хореографией? Ерунда! Просто возьмите и попробуйте! Ко мне со своими номерами приходят даже четырехлетние дети! У них нет комплексов, и они очень гордятся тем, что делают. И вы тоже будете.

А теперь скажите, какая музыка играет у вас в голове?

http://www.idance.ru/photoshrink.php...0/649p_cm3.jpg

Ставим и исполняем номер
автор: Michelle

Кто расстраивается от одной только мысли о хореографии? Кого тошнит от перспективы знакомства с таким количеством разных движений, которого бы хватило на пятиминутный танцевальный номер? Кого мутит от необходимости все эти движения запоминать? Кто считает, что хореография – это проклятие для спонтанного, естественного танца? Ну, ответ очевиден.

А кто всегда жалуется на то, что во время выступления приходится делать постоянно одни и те же движения, снова, снова и снова? Кто волнуется о том, что зрители помрут от скуки, смотря на танцора, или же помрет от скуки сам танцор? И снова ответ, по-моему, очевиден.

Хореография – вот решение и в первом, и во втором варианте. Даже если вы – ярый, преданный, законченный танцор-импровизатор, хореография может помочь вам танцевать лучше. Как? Хореография заставляет вас слушать музыку по-настоящему. Считаете ли вы удары или же просто подмечаете меняющиеся фразы (или и то и другое), когда вы готовитесь к постановке номера, вы должны разложить песню по полочкам и выучить ее от и до. Три раза послушать диск в машине перед выступлением – недостаточно. Хореография позволяет вам бросить вызов новому движению вместо того, чтобы, полагаясь на мышечную память, повторять в танце то, что вы уже и без того знаете назубок. Хореография позволяет вам принять в учет детали (например, положение рук, угол движения), о которых вы бы иначе и не задумались. Но довольно о преимуществах (если вы досюда дочитали, то уже сами можете все понять). Давайте выясним, как всего этого добиться.

Выход на сцену: Если все определяет первое впечатление, то ваш выход очень важен. Солистам следует выходить иначе, нежели дуэту или группе.

Солист: Зритель потратит первые мгновения вашего танца на оценивание вашего костюма, знакомство с музыкальной темой, и только потом настроится на сам номер. Так что не тратьте 47 движений в первые двадцать секунд танца. Позвольте музыке ввести зрителей в предвкушение. Не следует начинать танец подобно скаковой лошади – зрители это точно не оценят. Лучше выйдите на сцену изящным танцевальным шагом, несколько раз покружитесь, раскланяйтесь, а потом – приступайте.

Дуэт и группа: Когда на сцене вас больше, чем один человек, следует выходить быстрее, поскольку зрители должны успеть оценить всех участников. Используйте обе стороны сцены, можете даже попробовать выйти из зрительного зала, если позволяет устройство помещения. Обычно, когда я ставлю номера для своей команды, то отдаю 4-8 счетов на подготовку, а потом мы живо, энергично начинаем представление. Энергия группового выступления полностью отличается от энергии сольного, и выход на сцену должен это отражать.

Расположение на сцене: Место, на котором вы заканчиваете выход на сцену, также очень важно. Каждый зритель должен иметь возможность хорошо видеть танцора или группу, иначе он быстро потеряет интерес к шоу.

Солист: Сильнейшая позиция – середина сцены. Здесь вы должны исполнять свои самые яркие, самые эффектные движения; здесь же следует завершать танец. Однако вы не должны выглядеть так, будто вас прибили к этому месту гвоздями. Передвигайтесь, используйте углы, двигайтесь по кругу, ведите взгляд зрителя из стороны в сторону.

Дуэт: Сильнейшая позиция – середина сцены, но посредине должен стоять не один танцор. Сделайте так, чтобы середина была между вами. Так создается необходимый баланс. Однако помните, что не нужно оставаться все время на горизонтали – используйте вертикаль и диагональ. Не следует отходить друг от друга слишком далеко – зрители должны видеть вас обоих, нельзя заставлять их смотреть на одного танцора и терять из поля зрения другого.

Группа: С ней сложнее всего, но и веселее всего! Нужно, чтобы зрители видели всех исполнителей, но это не значит, что всем надо стоять по прямой. Используйте букву V, шахматный порядок, букву U, диагонали. Главное правило: если танцор не видит зрителя, зритель не видит танцора. Каждый исполнитель должен относиться с уважением к другим участникам команды и стараться не заслонять их от взгляда зала.

Взаимодействие зрителей и танцора: Именно здесь ваш номер начинает жить. Планировать ваше отношение к зрителю так же важно, как и планировать движения номера. Настроение и смысл выступления – это часть хореографии.

Солист: Вы взаимодействуете исключительно с залом. У вас с ним символические отношения – вы даете ему эмоции, он вам – энергию. Если только вы не исполняете глубоко личностный номер, вы должны опираться на зрителей и их реакцию. Улыбайтесь, подмигивайте, смотрите кому-нибудь в глаза. Даже если вы сосредоточены на себе и номере, вам нужно что-то отдавать залу. В конце концов, все они пришли, чтобы на вас посмотреть.

Дуэт: Зрители должны быть учтены, но следует также взаимодействовать и с партнером. Дуэт может создать по-настоящему захватывающий, динамичный танец. Но для этого всегда нужно знать, что собирается делать партнер. Чтобы научиться читать его намерения, время от времени практикуйте игру в лидера и ведомого: лидер делает, вы повторяете.

Группа: И снова необходимо принимать во внимание зрителей, но фокусироваться следует в первую очередь на участниках команды. Следите за лидером. Используйте невербальные и вербальные средства коммуникации (поверьте, зрители ничего не услышат из-за музыки). Смейтесь, улыбайтесь друг другу, подмигивайте, веселитесь. Зрителю понравится, что вы делаете. Если в вашем номере есть дух единства, зритель будет чувствовать себя, будто является частью вашей команды. Помните, что каждый танцор должен в совершенстве знать номер. Если кто-то из вас будет концентрироваться на вспоминании движений, а не на командной игре, это сразу бросится в глаза залу.

Финал: Если первое впечатление определяет все, то последнее определяет не меньше. Поэтому, независимо от того, что происходило в основной части выступления, уходить вы должны блестяще, безупречно.

Солист: Это ваш Итог. Вы должны знать музыку так, чтобы остановиться как раз в тот момент, когда она закончится. Спланируйте позу, или же, если вы уходите со сцены под музыкальное сопровождение, спланируйте уход. Главное – все должно быть живым, словно это продолжение танца.

Дуэт: Внимательно следите за своим расположением на сцене, чтобы зрители могли видеть обоих участников. Хорошая концовка может получиться, если использовать сценическое положение, при котором вы зеркально отображаете друг друга.

Группа: Финал – подходящее время для того, чтобы перевести внимание зрителя с вашей команды на сам зрительный зал. Это можно сделать различными способами. Например, если музыка быстрая и заканчивается резко, образуйте хоровод, станцуйте несколько секунд и сделайте так, чтобы на последнем звуке первая половина хоровода повернулась лицами к зрителям и поклонилась им, сделав видимой вторую половину. Постоянно тренируйтесь, чтобы каждый участник команды заканчивал движение одновременно с другими участниками.

Составление номера: Теперь вы знаете основы хореографии – но как же заполнить номер движениями?

Перво-наперво, не стесняйтесь интерпретировать, заимствовать и воровать все, что хорошо выглядит и вам подходит. Смотрите видео, ходите на мероприятия, посещайте мастер-классы. Запишсывайте все заинтересовавшие вас движения, чтобы вспомнить их, когда придет время. Раньше, когда я слушала музыку в машине, то вспоминала восхитительные движения, комбинации, но, вернувшись домой, всегда обнаруживала, что под ту же музыку уже ничего не могу сделать. С вами тоже такое случается, правда? Я решила проблему, купив себе записную книжку. Теперь я всегда записываю туда во всех подробностях все, что приходит мне в голову.

Далее, используйте комбинации – связка на 16 счетов, исполненная в двух разных направлениях, занимает довольно много времени. Старайтесь избегать постоянных повторов одного и того же движения: вносите в него коррективы, меняйте угол, положение рук – даже такие нюансы могут создать у зрителей впечатление нового движения, а вы сможете уменьшить количество движений, которые должны помнить.

Начинайте с простого. Вы сможете создать замысловатую постановку довольно скоро, но, тем не менее, следует идти к этому постепенно. Когда я ставила первый номер для труппы, то потратила примерно месяц на компиляцию и два месяца на заучивание! Теперь я ставлю номер в один-два захода, а труппа разучивает его буквально за сутки. Словом, не нужно в первый же раз задаваться целью конструирования сложнейшей танцевальной постановки и ждать ото всех, что ее запомнят. Все приходит со временем.

Ставьте перед собой высокие цели, но никогда не используйте движения, которые еще не умеете исполнять в совершенстве. Позвольте, я проясню ситуацию. Я обычно включаю в номер неосвоенное движение, чтобы принудить себя скорее его освоить, и прием этот работает великолепно (меня больше не тошнит от бесконечных повторов одного и того же). Однако если вы ограничите количество неосвоенных движений в номере и составите его почти исключительно на основании того, что уже знаете идеально, вы будете гораздо более довольны результатами. И станцуете лучше, и запомните лучше.

Не надо продумывать все от начала и до конца. Опирайтесь на музыку, и заполняйте пустые места тем, что приходит вам на ум при прослушивании. Такой менее структурированный подход освободит ваше сознание, и вы сможете предаться творчеству вместо того, чтобы волноваться, буквально говоря, на пустом месте.

Подсказки: Секрет звездного выступления – в нюансах. Во взгляде, например. Вы должны знать наперед, куда и когда будете смотреть. Вы должны знать наперед, где будут ваши руки, как будут располагаться ваши кисти – при каждом движении. Другими словами, все в вашем теле должно быть использовано, учтено. Создайте личность в танце. Если же вы выступаете командой, расскажите зрителям какую-нибудь историю, постройте сюжет, добавьте интереса.

Как запоминать все эти движения: Во-первых, хорошенько изучите музыку! Если вы знаете песню хорошо, то сможете блестяще станцевать даже в самый неинтересный ее момент! Записывайте в блокнот последовательность движений номера. Обговаривайте движения на репетициях, дома, в машине, слушая музыку. Развивайте танцевальную память . Чем больше вы этим занимаетесь, тем легче вам будет это даваться. Планируйте экстренные меры на случай, если что-то забудете. Это проще сделать солистам, но дуэты и группы также могут выработать серию движений и использовать ее, если кто-то сорвет ход номера. ТРЕНИРУЙТЕСЬ, РЕПЕТИРУЙТЕ, ПОВТОРЯЙТЕ. Что ни говори, а десять повторений кряду пока что ничем заменять не научились.

Знаю, теперь все это кажется еще более унылым, чем после того, как вы прочитали первый параграф, но я обещаю, что результаты вас очень приятно удивят!

[IMG]http://*********ru/1468049.jpg[/IMG]

КАК ЗАПОМНИТЬ ТАНЦЕВАЛЬНЫЙ МАТЕРИАЛ
автор: Mark Van Schuyver

Методы запоминания материала, о которых рассказывается ниже, могут быть использованы при обучении любому танцу.

Спустя одиннадцать лет танцевания вест-кост свинга я изучил бесчисленное количество движений и довольно многое из мастерства работы ног. И я обеспокоился, когда моя жена Донна, которая по совместительству еще и практикующий семейный доктор, сказала мне: «Почему ты никогда не совершаешь движения, которые мы делали раньше?» Когда я спросил ее, о каких движениях идет речь, она ответила: «Ну, я не знаю. Ты лидер. Мы раньше делали кучу хороших движений. Может, мне стоит проверить твои мозги на органические поражения? Они часто вызывают потерю памяти».

Естественно, я попробовал впечатлить ее некоторыми новыми штуками, которые освоил на танцевальном семинаре. «Это все не ново». Она засмеялась. «Да мы делали это тысячу раз, вспомни». Я сказал, что не помню, что мы делали это раньше, и показал ей другое движение, которое выучил на одном известном мероприятии. «Ну, это тоже старо как мир. Тебе определенно нужно проверить голову».

На следующий день я взял лист бумаги и начертил таблицу с шестью колонками, которые озаглавил по группам, соответствующим всему, что я научился танцевать. Я приступил к заполнению таблицы. Через некоторое время у меня уже было почти сто названий. И все это пришло прямо из головы, я не пользовался никакой литературой, никакими видеокассетами. Я отнес листок жене и гордо предъявил. «Ого!» - сказала она. «Но почему ты никогда всего этого не танцуешь?»

Эта настоящая драма произошла примерно год назад. Как и у множества лидеров, у меня есть проблемы в поддержании репертуара танцевальных движений. Буквально говоря, я с трудом вспоминаю то, что знаю. Число известных мне движений намного, намного больше количества движений, которые я могу вспомнить и исполнить во время танца. Что со мной не так? Неужели я болен на голову?

На самом деле в моем состоянии нет ничего необычного. Эксперт по делам памяти Тони Бузан пишет: «Нет плохой памяти, есть нетренированная». Действительно, я ведь смог вспомнить материал, я просто не могу его «вызвать» в нужный момент. Другими словами, все это находится у меня в мозгах, но я не знаю, где именно и как это извлечь. Чтобы Донна стала немного счастливее и чтобы самому получать от танца больше удовольствия, я начал использовать следующие мнемонические методики, которые помогают мне запоминать движения. Если вы тоже испытываете трудности с вспоминанием, данные техники вам обязательно помогут.

Механика вспоминания

Перемещение нового опыта из краткосрочной памяти в долгосрочную требует частого вспоминания и тренировок. Согласно Бузану, чтобы сохранить нечто в памяти, для достижения оптимального результата мы должны повторять материал в следующей последовательности: 1) повторение через десять минут после урока; 2) через двадцать четыре часа после урока; 3) через неделю после урока; 4) через месяц после урока; 5) через полгода после урока; 6) при необходимости в дальнейшем. Конечно, такая схема повторения достаточна для нового слова или какой-нибудь идеи, но мне кажется, что для танцевального материала требуется даже большее усердие.

Календарь вспоминания Бузана основан на исследованиях, которые показывают, что изученный материал, если он не повторяется, забывается настолько, что через два дня от него остается лишь 10 процентов. В применении к танцу это означает, что через два дня после изучения новой комбинации или нового движения, если их не повторять в течение первых суток, от материала в нашей памяти не останется практически ничего.

Мнемоника

Согласно Тони Бузану и другим экспертам по мнемонике (технике запоминания), люди мыслят образами. Гораздо легче запомнить изображение цветка, чем его название. Так что гораздо легче запомнить танцевальную комбинацию «роза», чем комбинацию «обратный уип с концовкой в виде двойного кружения»*.

Представьте, например, что вы только что освоили новую комбинацию. Прямой уип с тремя непрерывными поворотами в закрытой позиции. Выглядит, как маленький торнадо на танцполе. Назовите комбинацию «торнадо» и вам будет гораздо труднее ее забыть.

Если ваш учитель не дает комбинациям названий, или если он или она использует техническую номенклатуру, возьмите инициативу в свои руки. Каждой комбинации давайте имя, которое вы легко можете запомнить. Используйте такие слова как крендель, пуля, гоночная машина, брызги, юла. Все, что в вашем сознании вызывает образ, ассоциируемый с комбинацией. Название не обязательно должно в точности ей подходить. Мнемоника используется только для того, чтобы дать вашей памяти искру. Огонь зажжет она сама. Движение под названием «лебедь» не обязывает вас нырять к полу. Напротив, это может быть очень легкий, элегантный жест руки.

Существующая и новая память

У взрослых вся новая память прикрепляется к уже существующей. Вы можете наблюдать свидетельства этому в повседневной речи. Кто-то говорит: «У меня серый кот». А вы вспоминаете свою полосатую Алису. «У моего серого кота есть котята». А вы думаете, что, когда вы были ребенком, ваша полосатая Алиса окотилась аж восьмерыми. И так далее, вся новая память связывается, соединяется с существующей памятью. Чем больше воспоминаний у нас есть, тем больше мы можем запомнить. Таким образом, чем больше мы учимся, тем большему можем научиться.

Попробуйте применить это в освоении танцевального материала. Связывайте похожее. Выучите три новых концовки старой комбинации. Выучите пять новых способов исполнения сайд-пасса. Вспомните бади-реп и придумайте к нему пять движений. Каждый раз, когда вы тренируете что-то одно, тренируйте вместе с этим все, что к нему привязано.

Связывание движений

Соревнующиеся танцоры ставят свой танцевальный материал под песню. Планируется каждое движение, учитывается каждый удар музыки. Минимум три минуты последовательного материала. Партнеры тренируются вместе до тех пор, пока новый материал не впитывается в их тела. Когда играет песня, музыка заставляет их двигаться по выученной схеме.

Во многих боевых искусствах последовательные серии движений практикуются для того, чтобы ученики могли лучше освоить технику. Эти связки соединяются вместе и образуют некий естественный поток. На каждом уровне своего развития ученик сталкивается с необходимостью запоминать и оттачивать новые и все более сложные комбинации. Через некоторое время ученик боевых искусств знает уже десятки боевых техник. Чтобы их вспомнить, ему нужны тренировки.

Даже если вы не соревнуетесь, для лучшего вспоминания вы должны работать с регулярными партнерами над связыванием танцевального материала. Соединяйте некоторые старые движения со многими новыми, превращайте их в постановочный номер. А потом тренируйте его. Этот материал отложится в вашей памяти навеки. Вы можете создать несколько номеров, каждый из которых содержит минимум три минуты нового, разнообразного материала. Если вы сложите эти три номера, то получите более сотни прекрасно выученных движений!

Ведение заметок

Великолепный танцевальный педагог Скиппи Блер разработала способ, при помощи которого она может записать любой танец на бумаге, а потом через несколько дней взять листок и полностью воссоздать танцевальный материал. Это – очень продвинутая форма ведения заметок.

Следует записывать в блокнот каждое новое движение, каждую новую комбинацию, которая встречается вам на танцевальном пути.

И время от времени следует снимать себя на видео. Очень медленно проделайте с партнером или в одиночку каждое новое движение, каждую новую комбинацию, и снимите все это с разных ракурсов. Обязательно запишите название изученного материала и вообще все, что позволит вам потом его вспомнить.

Преподавание

Нет лучшего способа что-то выучить, чем этому учить. Если вы не можете найти никого, кто позволил бы вам дать ему уроки, подключите к делу воображение. Представьте, что вы преподаете. Озвучьте и продемонстрируйте каждую деталь комбинации или движения. Такое воображаемое преподавание поможет материалу переместиться в долгосрочную память. Кроме того, преподавая таким образом танец, вы определите зоны собственной неуверенности. И обнаружите, что есть необходимость вернуться к учителю за уточнениями.

Наверное, преподавание – это наиболее мощный способ улучшения памяти. Постарайтесь в первые сутки после обучения новому материалу обучить ему кого-то еще.

Память партнера

По общепринятому мнению, в парном танце ведомым не нужно запоминать материал. Я часто слышу, как ученицы жалуются, что во время преподавания комбинаций им нечего делать. Они говорят, что не могут тренироваться, потому что не могут вести, а лидеры после занятия очень быстро все забывают. Ценное наблюдение.

Однако я считаю, что ведомые могут принимать в процессе запоминания очень активное участие. При помощи упомянутых техник они могут давать сигналы памяти лидера. Если, например, ведомая помнит название конкретной комбинации и ту группу движений, которая к ней привязана, и соединяет новую комбинацию с другой похожей комбинацией, она вполне может словом или жестом сообщать партнеру, что он забыл. Ведомым легче запоминать комбинации, когда они связаны друг с другом и образуют танцевальный номер. Словом, вспоминание – это дело и лидера, и ведомой.

Разнообразие – соль жизни

Конечно, простое знание и применение разнообразных движений и комбинаций не делает нас хорошими танцорами. Для этого нам нужна еще правильная техника и стиль. Движения без навыка – ничто. Однако большинству из нас нравится разнообразие. Некоторые из нас – вообще наркоманы, которые жить не могут без всяких сложностей. Да, разумеется, разнообразие – это большой плюс к танцевальному опыту. Мне кажется, что, чем больше в этом деле сложностей, тем лучше итоговый результат запоминания.

[IMG]http://*********ru/1520801m.jpg[/IMG]

Мысли вслух...
Перевод с видео New School Dictionary (Романа Захарова)

Dance

Танец лежит в основе всего. Он есть в каждом из нас т.е. танцевать умеет каждый. Иногда смотришь на 2 разных людей, один двигается красиво.технично,выполняет сложные элементы , а второй проще и не так красиво и менее технично. Как понять кто из них танцует?
Возможно в двух вариантах...
Танец это состояние души,эмоции, энергетика.
Очень многие путают Технику с Танцем. Скрываются за ней пряча свое лицо.
Техника наоборот должна помогать,а не служить каменной стеной.
Техника- владение своим телом, насколько ваши мышцы, суставы и т.д. готовы и позволяют вырисовывать ваши фантазии, эмоции, чувства на данный момент. Потому как танцевать можно только здесь и сейчас. Нельзя принести его из вчера или позаимствовать у завтра.
Вы художник - Ваше тело кисть и краски, вы рисуете им рисунки. Но техника без танца просто Спорт.

"Я просто хочу, чтобы вы поняли, что это ТАНЕЦ - в первую очередь, танцевальный стиль - во вторую. Сам танец важнее, чем кто его преподает, чем кто его придумал и кто его исполняет. Танец в культуре более важен, что что бы то ни было еще. Вам не нужен один учитель, чтобы научить вас стилю, вам нужны музыка, чувство и дух, чтобы направлять вас. Вы можете учить у кого угодно. Я учусь у вас, а вы учитесь у меня, это не делает меня мастером или учеником, это не боевые искусства, вам просто нужна музыка и вдохновение. Вы учите технику, вы учите движения... Информацию можно получить от любых людей. И вы учитесь посредством тренировки! Тренировка куда важнее любого учителя. Чем больше вы тренируетесь - тем лучше вы становитесь, сами для себя! Если вы учитесь у одного учителя - вы только учитесь тому, как он интерпретирую музыку, но если вы учитесь у всех - то вы учитесь всему. А знания - сила. Вы растете намного быстрее. Тут как в жизни, вы не учитесь на своих ошибках, вы учитесь на ошибках всех. МИР!"
Buddha stretch / Elite Force

Feeling

'Это приходит из того, что ты уважаешь себя, любишь себя, любишь то, кто ты есть и как ты танцуешь. Ты танцуешь для себя, а не для кого-то там еще. Это приходит из танца в клубе, на улице, дома, когда ты спишь, идешь, говоришь, ешь... Ты должен найти это сам…
Не надо играть с музыкой! Надо стать музыкой, превратиться в нее!"
«Elite Force Crew»
Feeling (с англ. feel-чувствовать) - насколько ты чувствуешь музыку, ее настроение, характер и можешь это передать .

Groove

Groove- это понятие музыкальное. В Хип Хопе -это сленг ,оно растяжимое и каждый по-разному его формулирует. В одном все правы хип хоп без грува не Хип Хоп.
Хип Хоп хоть и молодая,но очень глубокая культура. Насколько глубже ты ее чувствуешь настолько глубже у тебя грув.
Формулируют его так:
-Глагол “To groove” означает четкое владение чувством времени и ритмической структурой композиции. К примеру, – He really knows how to groove. Русский аналог (сленг музыкантов) – кач.
-Groove – особые моменты в музыке, когда музыканты достигают музыкальной и ментальной связи. Как правило, они ритмически простые, прямолинейные и экспрессивные. Слушатель как бы вовлечен в процесс, движется на волне (невозможно устоять на месте, некоторые головой кивать начинают и притопывать).
-Groove - чисто негритянский жаргонный термин, обозначающий чувство душевного подъема от ритма, "завод", "драйв". " (с) А. Козлов "Рок
-Groove - это очень интересное слово. Оно характеризует способность музыки покачиваться и тянуть за собой. Грув - не музыкальный стиль, это - качество музыки. Оно определяется, грубо говоря, тем, хочется под неё двигать бёдрами или нет. В неформальном словоупотреблении фанк - это весёлое и довольно быстрое ухание, а грув - неспешное, но настойчивое извивание. (с) Музпросвет, Андрей Грохов
-грув – это дух музыки. И каждый стиль имеет свой собственный грув, свое состояние. Говоря точно, приземленно, это соотношение между долями (то есть внутреннее напряжение). Не всегда тот же барабан или тарелка играют в долю, это может быть немного с опережением или с оттяжкой. Это касается и баса. И вот это соотношение баса и барабанов в какой-то конкретный момент и определяет грув. Вообще, математически это определять - я стараюсь это не делать, да и другим не советую, потому что это соотношение (грув) должно ложиться на ухо. И желательно свое привносить. Говорят, как барабанщик играет в тарелку свинг (а рисунок, который он играет, всем известен) – это является автографом каждого барабанщика. Все это делают очень индивидуально, но самое главное, чтобы все это работало на музыку.

Подытожим: Грув, состояние и у каждого оно свое. Быть в музыке,передавая ее и свое ощущение через тело определенным ритмом.
Как и любая эмоция или ощущение,в полном объеме на лесте его не передать.К примеру говоря, если сравнивать с педалью газа: Драйв - нажал и держишь, а Грув - нажимаешь-отпускаешь-нажимаешь-отпускаешь... Ощущения совершенно же разные...

Vibes

Vibes - (с англ. вибрации,флюиды, биополе)
Описать можно как полнота чувства или настроения человека или места.эмоциональное переживание, которое может чувствоваться и передаваться интуитивно.Неформальный контакт ,Обмен и работа с колебаниями настроений и эмоций и есть vibes/
«Я чувствую позитивные вибрации».
Я думаю все помнят трек "Good Vibration"

Bounce
передается как грубо говоря кач, отражение его.

Перевод с видео New School Dictionary (Романа Захарова)

Caleaf :
"Я пытаюсь донести, что людям нужно понять, что танец - это нечто духовное. Это просто самовыражение. Вы рассказываете свою историю, когда танцуете. Под этим я имею ввиду, что вам нужно то, что будет определять именно вас, не только копирование. И у всех нас есть возможность делать что-то, определяющее лично каждого. Если мы упоминаем преподавание - то я уже говорил и скажу снова - преподавание этой формы искусства ТРЕБУЕТ ВРЕМЕНИ! Если ты занимаешься год и не важно, у меня, у Shan S, у Brian, у Marjory, у кого угодно, кто преподает хаус - тебе нужно больше, чем один год, прежде чем ты пойдешь показывать движения кому-то! Если ты не знаешь основ, если ты не овладел основами в совершенстве - то я не понимаю, как можно идти преподавать! Преподавание - это больше, чем хореография! Хореография это то, что делается за полтора часа. Люди выучивают ее, но через два часа, через три часа они не могу вспомнить, что они выучили! Это неправильно! Нужно давать людям материал, с которым они смогут расти. И ты должен быть в состоянии давать им информацию! Если ты не в состоянии давать им информацию - то у них не будет возможности танцевального роста! Мир и любовь... Помните, что эта форма искусства не заключается в батлах, она заключена в любви. Послушайте слова в музыке, там не говориться задеть ли обидеть кого-то, там говорится о любви и духовном подъеме! Это все, что я хотел сказать..."

Link :
"Для начала, я уважаю все стили. Но, что бы вы не говорили, "все стили", это все ТАНЕЦ. Танец прежде стилей, поймите это в первую очередь. И когда вы это поймете - вы поймете, что вы делает. Нельзя говорить "джаз это хип-хоп... это хип-хоп..вот это хип-хоп", нет! Хип-хоп - это хип-хоп... Локинг - это локинг, поппинг - это поппинг, балет - это балет, джаз - это джаз... Но! Все эти направления - это просто танец. И отойди от зеркала! Потому что все, что ты делаешь, каждая ошибка, которую совершаешь - это НОВЫЙ ТАНЦЕВАЛЬНЫЙ ШАГ! Так что если ты не совершаешь ошибок - ты не привносишь ничего нового в "игру"! Ты же не помогаешь хип-хопу! Ты же не можешь его "подчистить"! Он и должен быть"сырым" и..."грязным"! Он не должен быть чистеньким и опрятным! Есть "чистые" танцоры, есть, как некоторые называют "неряшливые" танцоры, но для меня это все - абстрактные понятия! Главное - настоящее чувство! Если ты все время смотришь в зеркало - ты ПРИДУМАЫВАЕШЬ чувство! И пытаешься исправить какие-то ошибки, но если посмотреть на все это - то единственное, что ты делаешь неправильно - это то, что ты ДУМАЕШЬ о том, что делаешь...Ты не чувствуешь этого! Это в первую очередь неправильно в любом танце. Если ты не чувствуешь, что ты делаешь - ты неправ изначально. Так что я говорю вот о чем : отойди от зеркала! Иди в клуб, иди со своими друзьями, пусть они тоже танцуют, отходите от бара-то иногда!.. Вот, о чем я."

Buddha Stretch :
Что я хочу донести до танцоров и до всех, кто смотрит это видео... Читай на футболке : Я ЕСТЬ ХИП-ХОП. О чем речь? Ты представляешь культуру, не культура представляет тебя! Ты представляешь культуру! Все, что меня касается - хип-хоп. Все, что я делаю - хип-хоп. И мне на самом деле не все равно то, о чем я сказал. Это не что-то, улучшающее мое положение или состояние, я это не для привлечения внимания делаю и не чтобы кому-то понравиться! Мне все равно, нравлюсь я вам или нет! И среднего пальца от меня ждать долго не приходится. Так что для меня - это не то, что я делаю, это то, как я живу. Поэтому, если твой интерес к культуре - просто прихоть - ладно, все нормально... Но это не ко мне, ко мне с таким не подходи, потому что я живу этим. Если ты действительно хочешь быть частью культуры, хочешь представлять ее - не представляй ее от головы, представляй ее от сердца..."

[IMG]http://*********org/638940m.jpg[/IMG]

СВОД ЗАКОНОВ ПРОФЕССИОНАЛОВ ТАНЦА
автор: Despina Rosales

В этой статье мы рассмотрим одиннадцать законов, которые должен исполнять любой учитель и владелец студии танца. Ниже в кавычках следуют сами эти законы, советы по их реализации на практике, а также вопросы, которые вы можете задать себе, чтобы проверить, в самом ли деле вы являетесь «правильным» учителем/владельцем студии. Если же вы ученик, проверьте, насколько профессионально относятся к вам в школе.

Законы составлены австралийскими профессионалами танца.

Закон 1

«Ученикам должны быть объявлены четко определенные цели и рамки обучения. Спектр задач обучения, объявленный ученикам, должен подчеркивать выгоды, которые ученики получат от осознанного исполнения учителем своих задач»

На практике:
Вам нужно сесть и подумать о том, что ваши ученики должны получить от занятий с вами, а потом решить, как это полученное соотносится с их выгодой.
Затем нужно записать цели, изложив их кратко и ясно.
И зачитать эти цели ученикам.

Вопросы:
Чего я хочу от своего преподавания? Реальны ли мои цели?
Легко ли ученики поймут то, что я написал на листе? Согласятся ли они с этим?

Закон 2

«Ученикам необходимо гарантировать, что все объявленные услуги могут быть им оказаны»

На практике:
Никогда не обманывайте учеников. Не говорите им, что вы умеете то, чего на самом деле не умеете. Будьте правдивы и откровенны в своей рекламе. Точно определите, что вы можете предложить, а что – нет.

Вопросы:
Когда я оцениваю свою рекламу, могу ли я честно сказать, что мои ученики получают именно то, о чем в ней говорится?
Если между рекламой и реальным положением дел есть расхождения, как можно улучшить или изменить ситуацию, сделать ее на 100% такой, какая она в рекламе?

Закон 3

«Ученикам должны быть предоставлены доказательства того, что их преподаватели обладают опытом, знаниями и квалификациями, которых требует уровень преподаваемого материала. Учителей студии следует обучать и проверять на профессиональную пригодность и соответствие студийным стандартам преподавания».

На практике:
Вы должны быть уверены в том, что люди, которые преподают от вашего имени, делают это не хуже вас, а, может быть, даже лучше. Убедитесь, что они обеспечивают учеников качественным преподаванием качественной танцевальной техники.
Оценивайте их, когда они учатся на учителей, помогайте им конструктивной критикой, хвалите и будьте отзывчивы. Побуждайте их задавать вам вопросы и давать советы. И даже после того, как они закончили учительскую подготовку и уже преподают, не прекращайте свои проверки и устраивайте среди учеников анонимные опросы о качестве преподавания.

Вопросы:
Довольны ли ученики учителями?
Если я не могу провести занятие, могу ли я доверить его другому учителю, не боясь, что он подведет?

Закон 4

«Ученики студии должны быть обеспечены средствами оценивания собственных достижений, а также иметь возможность в случае необходимости получить профессиональный совет»

На практике:
Большинство людей занимаются танцами для удовольствия и не нуждаются в оценивании. Кроме того, «официального» способа оценивания тела не существует, поэтому у самих учителей нет формальных инструкций по тому, как это делается. Но если оценивание все-таки необходимо, можно пойти следующим путем: по окончании каждого курса выдавать ученикам свидетельство о его прохождении, в котором изложены выученные движения, приведены названия песен, на которые поставлены номера, и указаны прочие навыки, развитые в ходе курса. Свидетельство должно быть распечатано на хорошей бумаге и персонализировано (на нем должна стоять печать студии и подпись учителя). В выставлении отметок необходимости нет, свидетельство получают все ученики, которые окончили курс с 90% посещаемостью занятий.

Вы должны быть доступны ученикам и их родителям до и после занятия, а также обеспечить им возможность связаться с вами по телефону или электронной почте.

Заведите себе записную книжку, в которой будет находиться контактная информация всех знакомых вам учителей танца, студий, фитнес-центров, магазинов танцевальной одежды, спортивных медиков и прочих людей и организаций, связанных с танцем. Это нужно на случай, если вы окажетесь неспособны дать ответ на вопрос ученика (в данном случае можно сообщить ему нужный телефон или провести небольшое исследование самостоятельно).

Вопросы:
Нуждаются ли мои ученики в оценивании? Если я не уверен, следует спросить их или провести анкетирование. Перед тем, как это делать, следует задать вопрос себе: а есть ли у меня компьютерное оборудование, умения, талант дизайнера и время на создание свидетельства об окончании курса?
Говорю ли я ученикам, что они могут подходить и задавать мне вопросы до и после занятия? Легко ли связаться со мной по телефону?

Закон 5

«Владельцы студии должны поддерживать разумную практику ведения бизнеса»

На практике:
Существует множество коротких бизнес-курсов, продаются книги по ведению дела, а также есть сайты, информация которых затрагивает практически любой аспект ведения бизнеса. Не обманывайтесь, полагая, будто сможете управлять школой танца без бизнес-подготовки: рано или поздно недостаток знания приведет вас к финансовым проблемам или к другим неприятностям.
Разумная практика ведения бизнеса – это мириада вещей: этика, реклама, маркетинг, бухгалтерское дело, работа с учениками, финансовые операции, консультирование, постановления и условия договоров, контракты и т.д. Управление школой танца – это не просто аренда помещения, приглашение учеников и ведение урока. Это намного больше, и многое укрывается от внимания до тех пор, пока не хватает за горло. Нужно быть наготове.

Вопросы:
Что я знаю о ведении дела?
Как мне получить/расширить необходимые знания?
Как мне постоянно быть в курсе последних исследований в области менеджмента, маркетинга, рекламы?

Закон 6

«Владельцы студии и учителя должны гарантировать ученикам, что размеры классов соответствуют уровню и технике преподаваемого танцевания. Ученики в каждом классе должны быть совместимого возраста»

На практике:
Размеры класса должны соответствовать не только размерам помещения, в котором проводятся занятия, но и уровню учеников. С новичков нельзя и глаза спускать, ибо, если не следить за их техникой, они быстро получат травму. Продвинутые ученики знают, что такое правильная техника, но, исполняя некоторые физически сложные движения, нуждаются в хорошем надзоре. Если ученики тренируются с бутафорией, их число следует значительно сократить.
Учителя должны знать принципы безопасного танцевания и преподавать их на занятиях.
Поспрашивайте других учителей, насколько велики их классы, и как они определяют оптимальное число учащихся в одном классе.
Новичков следует размещать вместе с другими новичками, продвинутых учеников – вместе с продвинутыми. Таким образом будет поддерживаться удобный для всех темп.

Вопросы:
Хотелось бы мне заниматься в классе размером с тот класс, в котором я преподаю?
Говорили ли мне ученики, что их слишком много или мало?
Классы новичков заполняются в основном новичками? Могу ли я сказать то же самое в отношении продвинутых классов?

Закон 7

«Владельцы студии должны арендовать для занятий помещение, отвечающее минимальным требованиям безопасности и пространства и имеющее подходящий настил с безопасной поверхностью, минимизирующей риск травмы»

На практике:
Преподавать можно только в помещении, которое предназначается для занятий спортом.
Хорошо, если в помещении есть подрессоренный пол, гладкие и ровные половицы или чистый ковер, а также отдельное место для личных вещей учеников.

Вопросы:
Подходящий ли пол в помещении, где я преподаю?
Доски настила или половицы гладкие и ровные, или же в полу есть дыры, куда может провалиться каблук или носок? Есть ли вокруг предметы, которые потенциально являются причиной травмы (скобы, гвозди в полу) или просто захламляют помещение?
Если обучение ведется на ковре, как часто его пылесосят? Готова ли я сесть и с удовольствием растянуться на ковре, или же на него даже смотреть страшно?
Есть ли в помещении отдельное место для обуви, сумок и прочих принадлежностей, где они не мешают уроку?

Закон 8

«Для создания плодотворной среды обучения учителя должны использовать адекватные и гибкие преподавательские методики.
Учителя должны:
- Воспитывать в учениках любовь к танцу
- Демонстрировать профессиональное отношение (пунктуальность, надежность и ответственную заботу об учениках)
- Развивать в учениках самодисциплину и самомотивацию
- Поощрять ученика на активность в классе и на выступлении
- Доносить до учеников общие идеи движения помимо идей движения конкретного танцевального стиля
- Развивать в учениках способность к пониманию тонких стилевых различий между каждой преподаваемой техникой»

На практике:
- Пусть ваша любовь к танцу проявляется в каждом вашем движении и слове
- Не опаздывайте на занятия, держите данное слово и будьте ответственны за учеников
- Поощряйте учеников на тренировку сложных элементов, развивайте в них самоконтроль. Выражайте одобрение, когда по вашему наставлению ученики начинают тренироваться по полчаса в неделю дома
- Поддерживайте в классе и на выступлениях дружественную атмосферу
- Делитесь с учениками знаниями о человеческом теле, кинетике и безопасном танцевании
- Объясняйте ученикам, зачем их просят исполнять конкретные упражнения и почему эти упражнения идут им на пользу

Вопросы:
Как я считаю, если кто-нибудь зайдет в класс, что он подумает об учителе? Что ему нравится его дело или что он плевать на все хотел?
Я вбегаю в класс на последней минуте, когда все ученики уже собрались? Или же я обычно прихожу раньше всех? Когда я что-то обещаю, всегда ли я выполняю обещанное? Ухожу ли я из класса, когда там еще остаются люди? Или же я ухожу последней, чтобы убедиться, что помещение после занятия пребывает в чистоте и порядке?
Поощряю ли я каким-нибудь образом учеников на выполнение упражнений? Даю ли им с ложки разжеванный учебный материал? Ценю ли в них способность к самостоятельному мышлению, творчеству, работе в группе, в парах и т.п.? Если да, как это проявляется? Считают ли мои ученики, что они могут быть в чем-то недостаточно хороши и это нормально? Что я делаю на занятии – избегаю вещей, которые они считают сложными, или обеспечиваю им разнообразие, отвечающее их выгодам? Хвалю ли я учеников, когда они тренируются дома?
Когда в класс приходит новичок, чувствует ли он себя комфортно в той атмосфере, которую я создаю на занятиях?
Обладаю ли я базовыми знаниями в анатомии, физиологии, кинетике, безопасном танцевании, предотвращении и лечении травм?
Доходчиво ли я объясняю смысл всего, чем ученики занимаются в классе? Они понимают, куда ведет их путь физических упражнений?

Закон 9

«Учителя должны осознавать роль танца в развитии личности. Они должны признавать и развивать потенциал каждого ученика вне зависимости от того, находится ли он в области танца или же в смежных областях, и предлагать ученику свое руководство для дальнейшего прогресса»

На практике:
Воспринимайте своих учеников не только как танцоров, но и как людей
Понимайте, что у каждого ученика есть собственный уровень способностей, и в своем преподавании начинайте именно с этого уровня. Не заставляйте учеников сравнивать себя с кем-то еще
Давайте советы, когда это требуется

Вопросы:
Смотрю ли я на своих ребят как на людей, а не только учеников?
Когда у меня есть возможность (до или после занятия, на общих вечеринках), спрашиваю ли я учеников о том, как они живут, чем занимаются, чтобы получше узнать их как личностей?
Делюсь ли я с учениками чем-то таким, что помогает им получше узнать как личность меня?
Показываю ли я ученикам не только свои сильные стороны, но и слабости, чтобы они могли видеть, что они не единственные, кому все дается нелегко, что мне до сих пор есть, в чем улучшать свой танец?

Закон 10

«Учителя должны прилагать усилия для выявления физических недостатков учеников и модифицировать преподавание так, чтобы они как можно меньше влияли на его ход, а также быть готовыми обеспечить учеников своей или чужой профессиональной медицинской консультацией. Процесс обучения и хореография должны быть анатомически безопасными. Учителя должны быть готовы адекватно действовать в чрезвычайных случаях, связанных с ними».

На практике:
Спрашивайте учеников, есть ли у них травмы и, если да, какие. Обсуждайте с учениками техники и движения, которые позволяют учиться, несмотря на травмы.
Если вы замечаете, как кто-то потирает поясницу, плечо, немедленно спрашивайте о боли, которую, возможно, испытывает ученик – «хорошая» ли это боль (просто работают мышцы) или «плохая» (чрезмерная нагрузка на суставы, связки и мускулы).
Убедитесь, что знаете, как исполнять движения анатомически безопасным способом.
Пройдите курсы первой помощи, чтобы уметь действовать в чрезвычайных ситуациях, которые могут возникнуть в ходе занятия. Всегда держите в классе мобильный телефон.

Вопросы:
Регулярно ли я спрашиваю у учеников о наличии травм? Когда ученики говорят, что у них есть травмы, рассказываю ли я об этих травмах всему классу, чтобы научить учеников, как с ними танцевать и как их лечить?
Регулярно ли я осведомляюсь у травмированных учеников об их состоянии до и после занятия? Узнаю ли у них, как влияют на их состояние те или иные движения?
Слежу ли я за учениками во время занятия? Останавливаю ли немедленно урок, если кто-то ведет себя так, будто получил травму?

Закон 11

Учителя должны быть ответственны за постоянное приобретение новых знаний во всех аспектах своей работы»

На практике:
Посещайте уроки танцев
Посещайте выступления
Берите частные уроки у более опытных учителей
Смотрите видео – с уроками и выступлениями

Вопросы:
Посещаю ли я при возможности уроки и мастер-классы других учителей?
Хожу ли я на выступления профессионалов и любителей?
Регулярно ли я смотрю танцевальное видео?

http://www.idance.ru/photoshrink.php...0/535p_te2.jpg

ПРОФЕССИЯ: УЧИТЕЛЬ ТАНЦА

Учителя – в определенный этап жизни все мы знакомимся с ними, и будь то учитель математики или учитель танцев (какая разница, что вам нравится больше!), его работа – помочь вам реализовать ваш максимальный потенциал. Это огромная ответственность, и зачастую огромный труд, поэтому, когда вы в следующий раз будете смотреть танцевальное выступление, и ваши глаза будут прикованы к солисту, подумайте: а кто привел его туда? В конечном итоге за каждым прекрасным танцором стоит великолепный учитель.

Мишель Блэр преподает джазовый танец и репертуар мюзиклов в London Studio Centre, The Sylvia Young Theatre School, English National Ballet School и Colin’s Performing Arts School. Она училась в London Studio Centre и сейчас выступает в нескольких профессиональных театральных и телевизионных постановках, а также занимается хореографией и режиссурой, и это все – наряду с преподаванием.

«Я начала танцевать в балетной школе Сьюзан Ричардс в Скарборо, когда мне было три года, и до шестнадцати учила только балет. Моя учительница была изумительна. Она вдохновляла, побуждала к работе, и ученики невероятно ее уважали – я никогда не опаздывала на занятия, и на время подготовки к выступлениям полностью отказывалась от общественной жизни.

В шестнадцать лет я ходила на пробы в балетные школы, но после нескольких отказов поняла, что для балетной танцовщицы у меня неподходящее тело. Я села на поезд и поехала в Dance and Musical Theatre. В связи с увольнением учителя меня пригласили в London Studio Centre провести пару уроков по джазовой технике. Мне это тогда понравилось. Я еще не понимала, как далеко все зайдет. После выпуска в 1994 году меня время от времени стали приглашать провести урок или два. А в 1996 году дали постоянные уроки, на пару часов в неделю, и я поняла, что преподавание – прекрасный способ оставаться в профессии и одновременно ходить на пробы и выступать.

В 1998 году я прекратила участвовать в одном шоу, и у меня появилось свободное время, но исчезли деньги. Поэтому я написала во всех театральные и танцевальные школы Лондона. Я написала, где училась, и изложила в письме свой преподавательский опыт.

Я пошла в London Studio Centre не для того, чтобы стать учителем – а для того, чтобы улучшить свое танцевальное и исполнительское мастерство. Там я была как губка: впитывала все, что могла, лишь бы стать лучше. Сейчас у меня такое чувство, что я выжимаю эту губку – делюсь знаниями. Я считаю, что экзамены, дающие право вести учительскую деятельность, очень выгодны, но сами по себе они не делают вас хорошим учителем. Я до сих пор посещаю занятия, когда могу – приятно снова почувствовать себя ученицей. Я люблю смотреть, как преподают другие, потому что другие учителя – хороший источник знания».

Возможности: Учителя танца могут работать в частных танцевальных школах, фитнес-центрах, центрах отдыха, в государственных школах, в высших учебных заведениях. Они могут специализироваться на одном стиле, либо преподавать в разных направлениях; обучать людей одного возраста, либо людей всех возрастов.

Опыт: Многие учителя танцев начинают свою карьеру как профессиональные исполнители и начинают преподавать в ходе карьерного роста.

Условия работы: Учителя танцев, которые работают в государственных средних школах (в России нераспространенная практика – пр.пер.), обычно нанимаются самой школой и отрабатывают свои школьные часы. Многие другие учителя обслуживают собственные интересы, работают на свободной основе и преподают сразу в нескольких местах. Это может аукнуться постоянными разъездами по городу, но есть и несомненный плюс: такое учительство можно совмещать с выступлениями и другими занятиями.

Навыки: Учителя танцев должны хорошо знать историю танца, основы безопасности и преподавательскую профессию танца как таковую. Важно быть терпеливым, уметь эффективно и уверенно инициировать и поддерживать общение, обладать дисциплинированностью – уроки должны быть хорошо спланированы и структурированы.

Советы Мишель для тех, кто начинает карьеру преподавателя танца

Запишитесь на танцевальные курсы в престижной школе. Это даст вам лучший шанс найти работу по профессии: именно там вы встретитесь с учениками, которые однажды предложат вам работу.

Обзаведитесь опытом работы в какой-нибудь местечковой школе танца, или попросите своего учителя разрешить вам стать его ассистентом. Иногда случается так, что учитель даже разрешает своему помощнику планировать и вести один урок в неделю. Чем больше у вас будет опыта, тем лучше.

Смотрите мюзиклы, поп-видео и танцевальные шоу – как в живом варианте, так и в записи. Это вдохновит вас на создание увлекательных уроков для ваших будущих учеников.

Рассказывайте людям, что вы преподаете танец, и запаситесь планами нескольких уроков на случай, если кто-то предложит вам срочную работу.

Неделя из жизни Мишель Блэр

Понедельник: Весь день преподаю в London Studio Centre. Вечером разрабатываю план танцевального занятия для GCSE.

Вторник: Утром преподаю у Sylvia Young, потом бегу в London Studio Centre и преподаю там до вечера.

Среда: Весь день преподаю в Colin’s Performing Arts. Может быть, будут совещания.

Четверг: Утром отдыхаю, потом преподаю в English National Ballet School.

Пятница: Весь день преподаю и веду репетиции у Sylvia Young.

Суббота: Первую половину дня веду субботние уроки у Sylvia Young.

Воскресенье: Я на заслуженном отдыхе. Может быть, посещаю репетиции, если ожидаются выступления.

http://www.idance.ru/photoshrink.php.../537p_cho1.jpg

ПРОФЕССИЯ: ХОРЕОГРАФ

Неважно, кто исполняет танец (мальчиковая группа или кордебалет) – движения в нем всегда связаны друг с другом, а не хаотичны. Это результат хореографической работы. Хореограф работает с танцорами, чтобы придать их движениям завершенность, которая предстает перед зрителями в виде танцевального произведения. Некоторые хореографы используют свои навыки для переделки уже существующих танцев, другие при помощи техник наподобие контактной импровизации создают совершенно новые работы. Хореографов можно встретить в танцевальных компаниях, в театрах мюзиклов, в опере, на телевидении, на съемках фильма, на фестивалях, на круизных суднах и даже на подиуме. И везде на одного, двух или несколько сотен исполнителей - только один хореограф. В такой конкурентной среде выживают лишь самые креативные и оригинальные мастера.

Известный хореограф Maresa von Stockert путешествует со своей компанией Maresa von Stockert & Tilted Co. с турами по США уже несколько лет. Недавно она начала выступать по Штатам со своей последней работой More Grim(m) Desires. В 2006 году Maresa планирует международные гастроли. Уроженка Германии, в 1993 году Maresa получила Диплом Профессионала по танцам в лондонском Laban Centre, а в 1996 году стала магистром изобразительных искусств нью-йоркского Sarah Lawrence College.

«Я начала танцевать, когда мне было пять лет» - говорит Maresa – «и с самого начала мне говорили, что я никогда не стану великой танцовщицей, потому что я неправильно выгляжу, у меня неправильные формы, неправильные кости и т.п. Надеюсь, эти мнения изменились. Вообще я считаю, что любой, у кого есть страсть, преданность и воля, может стать танцором. Тогда же я была опустошена. Я не хотела бросать танец и решила, что если не стану танцовщицей, то стану хореографом. Я поддерживала свое счастье тем, что придумывала короткие танцы и скакала по гостиной родителей. Мне кажется, они были по-настоящему счастливы, когда я уехала учиться танцу в Laban – по крайней мере, гостиная снова освободилась!»

Окончив университет, я начала придумывать сольные хореографии. Для себя. Мне очень нравился сам творческий процесс, и очень быстро хореографический аспект работы стал для меня важнее, чем само танцевание. Я хотела видеть, что делаю, наблюдать за этим, направлять это снаружи… Так я начала ставить постановки для других танцоров, и с тех пор я никогда не оглядываюсь на прошлое!»

Хотя Maresa испытывает неудовольствие от непомерного количества административной работы и не особо хорошей оплаты, она говорит: «Нет награды большей, чем мгновение, когда произведение обретает жизнь на сцене и говорит за тебя то, что хочешь сказать ты… нет награды большей, чем чувствовать, как зрители поглощены твоей работой, видеть, как они на короткое время погружаются в твой мир, слышать их смех – тогда, когда надо – и понимать, что происходящее на сцене не оставляет их равнодушными».

http://www.idance.ru/photoshrink.php.../537p_cho3.jpg
Работа Maresa'ы

Опыт: В большинстве танцевальных курсов присутствуют элементы хореографического учения. Перед тем, как выйти на профессиональный уровень, можно проверить свои способности и талант на знакомых танцорах, создавая постановки для них. Некоторые будущие хореографы обучаются в танцевальных компаниях, многие танцуют профессионально.

Необходимые навыки:

Танец: Хореографы должны прекрасно знать танец и сами уметь танцевать, пусть и не феноменально.

Организационная работа: Вы можете открыть собственную компанию и отвечать за все, что касается ее работы, за создание, промоушн и организацию произведения (в этих областях организационные навыки также полезны). Вы можете устроиться на работу в качестве художественного директора компании и будете обязаны исполнять особые требования, возложенные на вас контрактом. Вам придется планировать каждую репетицию так, чтобы она проходила без сучка и задоринки, потому что репетиционное место и время недешевы и сложно находятся.

Общение: Важно уметь создать и поддержать контакты не только с танцорами, но и с техниками (для реплик, сценических инструкций, управления освещением и т.п.), с другими артистами, которые встретятся вам по работе (музыканты, дизайнеры сцены и костюмов), и даже с человеком, который будет делать флаеры, афиши и билеты для выступления!

Творчество: Хореографы ищут вдохновение вокруг себя. Чтобы создавать идеи, необходимо чувствовать весь мир искусства – скульптуру, фотографию, текст, музыку, что угодно. Хореографическая работа, демонстрирующая хорошо развитые темы и идеи, интересна и увлекательна. Несмотря на то, что оригинальность в ней жизненно важна для успеха, важно уметь анализировать произведения других хореографов и использовать их опыт, обогащенный вашей личностной интерпретацией.

Условия работы: Количество рабочих часов бывает разным, но рабочий день хореографа чаще длинный, чем короткий. Хореограф проводит тренировки с танцорами, вечером посещает и оценивает их выступление, а в остальное время занимается административной работой. Еще хореограф разрабатывает идеи, проводит оценивание и отбор танцоров, подбирает костюмы, музыку и т.д. Иногда (или часто) хореограф путешествует со своей работой. Платят ему от £12,000 to £40,000 (примерно 624000 – 2080000 рублей в год) и выше, когда хореограф становится известным. Однако многие предложения работы основаны на свободной занятости и поэтому оплачиваются не очень хорошо, поэтому часто хореографы занимаются еще и преподавательской, профессиональной танцевальной деятельностью, или же работают вообще не в области искусства, особенно в начале карьеры.

http://www.idance.ru/photoshrink.php.../537p_cho2.jpg
Работа Maresa'ы

День из жизни хореографа Maresa'ы von Stockert

9.00-10.00: Административная работа для компании за домашним компьютером
11.00– 18.00: Репетиции и тренировки для предстоящих гастролей
19.00-21.00: Беседа с администратором на тему материально-технического обеспечения гастролей
21.00-23.00: Работа над музыкой с композитором в звуковой студии
23.00-00.00: Всякие мелочи по работе и отход ко сну.

О смысле танца

Статья Максимилиана Волошина об искусстве хореографии.
http://kitezh.onego.ru/tanec.html

Современный танец. "Золотая маска"

Статья "Ты у меня есть" о дебюте современного танца в программе фестивалья "Золотая маска".
http://angalayda.narod.ru/mask2000.htm

Грайндстоунские певцы и танцоры

Статья О.Н.Ясененко "Грайндстоунские певцы и танцоры" в Санкт-Петербурге".
http://www.first-americans.spb.ru/n5/koi/grindstone.htm

Квантовая теория танца

Статья Я.И.Френкеля о сущности хореографии.
http://www.aha.ru/~afanas/quant_th.htm

клемма! спасибо за статьи. Мне очень поравилась статья Максимилиана Волошина об искусстве хореографии.

Symeon! Спасибо вам за материал. Обязательно распечатаю и повешу у себя в студии.

[IMG]http://*********ru/1724769m.jpg[/IMG]

Практика Танца. Основы. Танец дыхания.
Отрывок из книги И. Рудницкой “В поисках Танца…”

Первое движение тела, которое необходимо осознать - это дыхание. Наблюдая за красотой этого прекрасного танца воздушной энергии, невольно приходит понимание того, что человек по природе своей абсолютно пластичен, и способен достичь удивительного чувства гармонии при помещении процесса дыхания в основу любого физического движения.

Для танца дыхания важно понять, что дышать можно не только грудью, но и любым другим элементом, наделяя его качествами дыхательного органа. В данном случае дыхание - это определённое качество энергии, движущей тело («внутреннюю» воду), а если быть ещё точнее, воздух со всеми его свойствами: активизации и ускорения различных процессов, лёгкости в перемещении, проникновении и объединения с другими энергиями.

Сначала ощущаем внутреннее течение энергии, вызывающее дыхание, затем синхронизируем его с движением грудной клетки. Пробуем разные варианты дыхания: глубокое, медленное, поверхностное, учащённое, форсированное только на вдохе, а затем на выдохе… Отмечаем, как это в свою очередь влияет на тонкие внутренние процессы и состояния.

Затем перемещаем внимание в точку начала. Вдох. Выдох… Голова. Вдох. Выдох…. Плечи…. Локти…. Кисти… Пальцы - каждый в отдельности и все вместе…. Ступни… Колени… Бёдра… Таз… Грудь…

Сначала мы позволяем дышать только тому элементу, на котором концентрируемся, удерживая остальные от движения, затем, отпускаем всё тело в танец, оставляя, однако, одного солиста, другие - безвольные, но благодарные слушатели.

Раз за разом, простые дыхательные движения, точно совпадающие с естественным ритмом дыхания тела, будут всё усложняться, оставляя основой лишь саму энергию воздуха, рождая всё новые и новые рисунки, изящные узоры и таинственные символы. Какими-то частями, такими, например, как плечи, грудь, ноги…, лучше танцевать («дышать») дольше, раскрывая и освобождая их от привычных затвердений. Всегда необходимо стремиться к бесконечности движения.

Пример. Дыхание головы. Направляем своё внимание в голову и тем самым делаем её дыхательным центром. Представляем, как она расширяется на вдохе и сужается на выдохе, становясь всё более тонкой и лёгкой для возможности изменения своей формы, улучшения качества дыхания. В какой-то момент мы улавливаем течение воздуха в этом процессе и, изолированно от других элементов, отпускаем голову в движении за этим течением, которое вначале ведёт её довольно просто: вперёд, назад… а затем уводит в круги, волны, «восьмёрки»… более сложные рисунки… И если до этого момента остальные центры тела сохраняли неподвижность, что важно было контролировать, то теперь мы постепенно позволяем им двигаться за головой туда, куда она их ведёт в своём спонтанном танце.

По такой же схеме мы прорабатываем все остальные центры: плечи (по отдельности и вместе), локти (по отдельности и вместе), кисти (каждый палец по отдельности, затем сами кисти, по отдельности и вместе), ступни (по отдельности и вместе), колени (по отдельности и вместе), бёдра (по отдельности и вместе), таз, точка начала или центр живота, грудь. Возможно, для удобства, найти какую-нибудь опору (пол, стена), особенно при работе ног.

После того, как произойдёт пробуждение всех основных центров, каждый из них освободиться от других, ощутит своё изолированное движение и значение в общей системе, можно переходить к соединению элементов потоком общей энергии движения.

Для этого, в медленном волновом движении сначала соединяются элементы от центра к периферии по пяти основным каналам-проводникам: в точке начала создается импульс (как вдох), инициирующий течение энергии (как выдох) в голову, в руки и ноги, при этом необходимо следить, чтобы течение выходило в пространство, вызывая ощущение полной открытости и бесконечности.

Следующим этапом становится зарождение импульса в точке начала и направление его в любой центр, скажем, голову. Голова принимает импульс и следует за пришедшим потоком (становится ведущим центром движения), сохраняя его в себе, пока мы сознательно не перемещаем его в какой-то другой элемент, например, правую кисть, которая после того, как завершит танец, перетекает в противоположную кисть и т. д. Все перемещения отслеживаются и контролируются.

Для того, чтобы обрести состояние равновесия, первым делом соединяются парные элементы конечностей: кисти, локти, плечи, ступни, колени, бёдра, а затем, центры, расположенные в туловище: голова, грудь, точка начала, таз. Таким образом, происходит перемещение от периферии к центру. После этого можно начать плавно переводить импульс, а вместе с ним и поток, согласно спонтанному внутреннему побуждению. И всё же следить затем, чтобы все элементы участвовали в танце. Так же важно научиться проводить потоки, как в пространстве тела, так и за его пределами. Т.е. энергию из локтя в бедро можно провести через плечо, грудь и живот, а можно направить вне тела, выпустив энергию из одной точки и втянув её другой.

Пример путешествия импульса: из точки начала энергия, а с ней и физическое волновое движение перетекает в правое плечо, где пребывает какое-то время (плечо танцует согласно её перемещениям), затем спускается в правую кисть, отдельно овладевая указательным пальцем, потом переплывает через окружающее пространство в левое колено, от него, после непродолжительных кружений, направляется через таз (внутри тела) в правую стопу, потом поднимается через всё туловище в голову и уходит в бесконечность… В точке начала можно зарождать новый импульс…

Отдельно следует поработать над быстрым перемещением потока по телу, что означает не увеличение скорости, а проведение энергии через элементы, задерживаясь в них всего на одно-два движения. Этот танец бесконечного перетекания тела в самом себе, замечательно раскрывает и развивает природную пластичность.

Необходимо всегда помнить о точке начала, где происходит смешение жизненно важных энергий, и зарождать первоначальный импульс именно там, в дальнейшем, удерживая его сознанием (контролируя) до момента окончания танца, когда поток можно отпустить в окружающее пространство.

После того, как наша внутренняя вода, благодаря дыханию, насытилась воздушными течениями, тонкими, лёгкими и спокойными, мы можем начать изменять их качества, увеличивая/уменьшая скорость, силу, плотность, изменяя свойства на совсем противоположные и добавляя тягучесть, вязкость, прерывистость, жёсткость, тяжесть, лёгкость… вспоминая силы земли и огня… пробуждая в движениях водную стихию… воплощая в танце законы дуальности мира (противоположностей) и приводя их к гармонии единства. Это время безграничного творчества, в котором мы, как волшебники, с лёгкостью превращаем одно в другое, летая в своём сознании по самым укромным уголкам тела и раскрывая их в прекрасном танце.

Так, импульс, передвигаясь по телу, несёт с собой течение, постоянно изменяющее свойства: энергия из мягкой медленной трансформируется в жёсткую и стремительную, затем становится вязкой и тяжёлой, пока, ускоряясь, не теряет вес и плотность… и т.д. из центра в центр…

***

Лишь после того, как мы провели значительную работу по управлению движением, прошли десятки… даже сотни различных путей от одного центра к другому, контролируя качества энергии и её течения… лишь после того, как мы пробудили и очистили тело через танец ровного дыхания, дали ему осознание водного основания и его возможностей… лишь после того, как тело вспомнило, а затем усвоило пройденный материал, и накопило потенциал нового, мы можем отпустить его на свободу, в спонтанный танец, уже который нужно наблюдать, не вмешиваясь. Танец, который устраняет временные и пространственные границы материи.

http://copacabanadanceclub.files.wor...pg?w=300&h=196

Артём Лебсак
Действуй правильно

Сегодня мы поговорим о различных типах действия в танце. Действия – одни из тех универсальных основ, которые способны помочь танцору в большей степени овладеть своим телом, вне зависимости от исполняемого стиля. Эти понятия универсальны.

Каждое движение в танце можно разбить на составляющие – шаг, поворот, остановка, прыжок и т.д.

Существуют 5 основных пар действий, контрастных друг другу:

Продвижение – Неподвижность
Скручивание – Вращение
Растяжение – Сжатие
Сгибание – Прыжок
Потеря баланса – Жест

Давайте рассмотрим каждое движение чуть подробнее.

Продвижение – это очень просто. Главной целью исполнителя становится передвижение в пространстве. Вы можете идти, бежать, ползти – это уже второстепенно. Главное, что должен видеть зритель – продвижение из одной точки в другую.

Неподвижность – эффект стоп-кадра, фотографии. Вы должны мгновенно замереть, остановив любые движения в своём теле и остаться абсолютно неподвижным, на нужный отрезок времени. Включая взгляд. Наиболее ярко смотрится после активного продвижения и наоборот.

Скручивание – представьте, как выжимают руками только что постиранное бельё. До последней капли влаги. Также и исполнитель должен скрутить свой корпус вокруг вертикальной оси, используя все возможные ресурсы своего тела.

Вращение - весь тот запас энергии, что накопился в теле исполнителя во время активного скручивания, можно выплеснуть во вращение. Скручивание выступает тем самым форсом, который позволяет исполнять множественные повороты на одном месте. Хотя, безусловно, возможны и вращения с места, но они выглядят значительно менее ярко.

Растяжение – представьте себе дыбу, которую использовали в Средневековья для получения достоверных сведений от узников. Поставьте руки и ноги в сторону и с максимальной силой продолжите растягиваться, представляя, как вас тянут ремни, привязанные к рукам и ногам. Чтобы почувствовать растяжение, необходимо использовать мышцы своего тела на максимум, иначе ваши ощущения, а тем более ощущения зрителя, наблюдающего за вашим танцем, будут блеклыми.

Сжатие – исполнитель должен сжать своё тело к одному центру, использую силу мышц, их напряжение. Собраться в комок, сжаться в зародыше.

Сгибание – в отличие от сжатия, сгибание не требует мышечного напряжения. Наоборот, расслабляя различные группы мышц своего тела, исполнитель может сгибать свой корпус в различных направлениях. Сгибать можно руки, ноги, шею. Главное отличие от сжатия – отсутствие мышечного напряжения.

Прыжок – согнув колени, исполнитель получает запас энергии необходимый для прыжка. Прыжок в чистом виде – с места, вверх. Прыжок с продвижением – это уже сочетание, а об этом чуть ниже.

Потеря баланса – контролируемое падение. Как правило, служит началом для активного продвижения. Максимально оттягивая момент начала движения, постарайтесь смещать свой баланс в какую-либо сторону, например, вперёд по стопе. Момент, когда чтобы не упасть, исполнитель вынужден начать движение, и есть потеря баланса.

Жест – более близок драматическому мастерству, нежели танцу. Но. Нет ничего более выразительного и способного мгновенно привлечь внимание к исполнителю, чем жест. Жест может быть исполнен любой частью тела, наиболее очевидный пример – указывание рукой в каком-либо направление. Осознанно используйте жесты в своём танце, и вы обеспечите себе постоянное внимание зрителя.

Действия в чистом виде встречаются в танце крайне редко, как правило, доминируют их сочетания, вроде продвижение-поворот, скручивание-жест и т.д. А также более сложные, сочетающие в себе не пару действий, а три и более.

Изначально попробуйте исполнять действия поочерёдно, стремясь не повторяться в пластики при повторе одинаковых действий. Пробуйте исполнять каждое действие настолько ярко, чтобы ни у кого не могло возникнуть и тени сомнения «А что же это?». Каждое действие должно выглядеть ярко, однозначно узнаваться и выглядеть законченным.

Чтобы лучше понять предложенную идею, попробуйте составить тренировочную композицию, в которой различные типы действий были бы представлены последовательно – сначала что-то одно, затем другое, третье и т.д.

Следующим шагом в освоение этих принципов будет ещё одна тренировочная композиция, в которой эти действия уже будут представлены в сочетаниях.

Завершающая стадия – возьмите небольшой кусочек хореографии и попробуйте разобраться в нём. Вы должны четко знать, в какой момент времени какое действие происходит в вашем теле. Какой тип действия соответствует исполняемому движению.

Когда вы овладеете этими принципами, ваш танец станет законченным, ярким и индивидуальным. Исчезнут лишние движения. Картинка станет восприниматься более чисто, без «грязи». Чёткое понимание принципов действий поможет вам правильно распределить свои силы и поможет выглядеть на порядок более убедительными.

Танцуйте в удовольствие!

http://copacabanadanceclub.files.wor...pg?w=300&h=196

Артём Лебсак
Динамика – универсальные основы

В предыдущей статье, я рассказал о 10 основных типах действий, которые присутствуют в любом танце, вне зависимости от стиля или направления. В этой статье я также хочу обратить ваше внимание на те основные понятия, которые можно универсально использовать в любом танце. Итак, сегодня мы рассмотрим универсальные основы динамики.


Кроме принадлежности каждого движения в танце к определённому типу действий, у каждого движения есть своя динамическая характеристика. Она не столь проста и однозначна, как может показаться на первый взгляд. К тому же, может варьироваться в зависимости от нужного эффекта, которого пытается достичь танцор своим танцем.

Всего существует четыре основных аспекта, определяющих динамическую характеристику того или иного движения. Каждый из этих аспектов может принимать одно из двух состояний, при изменении которых и становится возможным достижение нужного эффекта. Ну что же, не будем сваливать все в одну кучу и разберемся по порядку.

Вот те самые четыре основных аспекта:

Вес
Время
Энергия
Направление

Вес – может принимать два контрастных состояния, быть легким или тяжелым.

Время – движение может быть исполнено по-разному, медленно или быстро.

Энергия – та сила, которая вкладывается в движение, может быть сдержанной (направленной внутрь) или освобожденной (направленной наружу).

Направление – может быть направленное (прямое) или не направленное (расслабленное).

Чтобы лучше представить, давайте рассмотрим несколько бытовых движений, которые легко представить:

* Удар (например, в боксе, хотя можно и ногой, как в карате) – сильный (тяжёлый), быстрый, освобождённый, направленный;
* Давление (например, пытаясь закрыть собранный в дорогу чемодан) – тяжёлое, медленное, сдержанное, направленное;
* Бросок (например, играя с любимым Рексом в «принеси палочку») – сильный, быстрый, освобожденный, не направленный;
* Скручивание (например, когда отжимаете мокрую ткань) – сильное, медленное, сдержанное, не направленное.
Чтобы перенести эти ощущения на свой танец, попробуйте изначально работать в паре, а лучше в группе, чтобы один из танцоров показывал, а другие говорили, что они увидели. Сначала просто отдельные движения, или группы движений, и постепенно переходя к кускам из собственной хореографии.

Хочу еще раз обратить ваше внимание на то, что одно и то же движение, исполненное с разными динамическими характеристиками, будет выглядеть совершенно по-разному. Простейший пример – серия вращений с продвижением, когда с течением времени ощущения меняются. Несколько первых – легких, быстрых, освобожденных, направленных. Затем один на месте – тяжелый, медленный, сдержанный, не направленный, а потом снова ряд легких, быстрых, освобожденных и направленных. Движение – одно и то же, картинка, которую видит зритель – абсолютно различна.

Все, что было написано выше, необходимо пробовать. Пробовать, сосредоточившись именно на своих внутренних ощущениях. В последствие, все это будет очевидно, но когда вы попытаетесь понять это в первый раз, то, для успешного достижение цели, от вас потребуется максимальная концентрация и собранность. Танец – не точная наука. Понять что-то исключительно теоретически – не получится. Все приходит через практику. Практика – другого пути нет.

В самом же танце, задачей танцора становится максимально четко донести до зрителя, определенные им заранее динамические характеристики для каждого исполняемого движения. В целом, одинаковые движения могут быть контрастны по своей динамике. Именно это сочетание контрастов поможет вам выразить в танце свою индивидуальность.

Танцуйте в удовольствие!

СМИРНОВ Сергей. Четырехкратный обладатель 'Золотой маски', руководитель 'Экксцентрик-балета', хореограф, балетмейстер Сергей СМИРНОВ делится своими мыслями о детском танце, руководителях, обучении и современной хореографии.

- Какова типичная проблема современных руководителей при работе с детьми?
- На все ли темы можно ставить детские номера?
- Насколько допустим крик как форма воспитательного процесса?
- Детский танец должен быть образным или более конкретным?
- Какой он - детский СОВРЕМЕННЫЙ танец?

http://video.rutube.ru/4133a8ba1d86c...MBED></OBJECT>

Обучение танцам методом "полного погружения"

Методы обучения спортивным (бальным) и другим современным - да и народным, национальным! - танцам пока не оформились в самостоятельную, методически продуманную и рационально организованную систему.

Способ обучения, как правило, самый простой. Средневековые мастера в шутку называли его: "Смотри, дурак, и учись!" То есть - "делай за мной, делай как я". Учитель показывает "правильные движения" конкретных танцев, ученики пытаются их повторить и запомнить. Обычно начинают с разучивания упрощенной схемы медленного вальса или другого простого танца. Постепенно наращивают сложность и разнообразие движений, количество разучиваемых танцев. Многократно отрабатывают отдельные элементы, стараясь привязать их к ритму музыки, согласовать с движениями партнера.

Обучение проводится бессистемно, преподаватели стараются поскорее обучить стандартному набору конкретных танцев без начальной базовой подготовки. У многих педагогов обучение неоправданно трудоемко и затянуто во времени, неэффективно.

Выдержки из методики известного хореографа:

Обучать танцу нужно в двух основных направлениях:

1. Профессиональные навыки, связанные с техникой. (Ремесло). Это обычный классический балетный урок у станка и "на середине".

2. Второе направление даже более важно, хотя часто ему придают существенно меньшее внимание. В танце оно имеет первостепенное значение. Это умение непосредственно выражать идеи и чувства через движения и пластику. Техника не должна быть искусственными рамками, обуславливающими танец. Она есть и остается лишь инструментом. Здесь главное - это умение абстрагироваться от требований классического канона и, используя профессиональные навыки, освободить чувство и тело от довлеющих над ними стереотипов мышления. Именно это является отличием творчески артистичного танцора от заурядного исполнителя, пусть и хорошо обученного.

Как один из методов развития таких способностей ученику предлагается исполнить некоторые элементы импровизации под разную музыку. Музыкой, ее образом, задается характер импровизации. Ученик должен максимально глубоко прочувствовать звучащую музыку и выразить ее в танце. Он может использовать движения, развивающиеся по классическим линиям, т.е. отвечать требованиям школы: дотянутые стопы, выворотные ноги (где это необходимо); использовать, но не быть в ее жестком каркасе. Техника должна стать родным языком танцора. Танцуя, он не должен думать "о буквах", из которых составляются его танцевальные фразы.

Импровизацию можно и нужно давать сразу, когда техники еще нет никакой. Если обучение ведется с детского возраста, то ребенок танцует автоматически в силу своей собственной природы. Его тело требует танца, и оно само знает, как лучше танцевать. Часто маленькие дети импровизируют несоизмеримо лучше, чем взрослые. Он (малыш) двигается так, как чувствует его тело, а оно чувствует правильно. Взрослых же надо раскрепостить, немного "убрать интеллект", они закомплексованы и зажаты.

Столь же важно сразу показать и предложить освоить красивый, притягательный танец, который задаст направление для "технического" и "духовного" танцевального развития, основу для мотивации. Как правило, это не какой-то "стандартный танец", но специально созданный именно для этой цели, для конкретной группы обучающихся, даже для конкретного ученика. Танец должен быть таким, чтобы ученик сам по себе или в группе, но сразу начал его ТАНЦЕВАТЬ. А далее уже совершенствовать этот ТАНЕЦ, делать его более красивым, обогащать за счет развивающейся техники… Моя, может быть, главная задача - найти, создать ТАКОЙ ТАНЕЦ и донести его до ученика. Потом - следующий, но более сложный, еще более красивый… И так - на протяжении всего времени обучения.

Классическая балетная школа требует каждодневного тренажа, но даже если заниматься всего четыре раза в неделю по 1.5-2.0 часа, но заниматься ТАК, то уже через пол года ученик начет танцевать. Через год он будет Танцевать. Через два - будет ТАНЦЕВАТЬ! Именно - ТАНЦЕВАТЬ!


Типичный урок состоит из трех частей:
Разминочный комплекс (разогрев, растяжка, силовые упражнения…). Часто на полу, "в партере". Потом станок, середина, прыжки… Это примерно половина урока.
Почти все остальное время - какой-то танец, отработка его элементов.
В самом конце - свободная импровизация.
***********
Используя аналогии с обычным языком, можно метафорически проиллюстрировать несколько характерных подходов, представив обучение танцу, как:
Заучивание "на слух" ряда красивых, канонических текстов.
Изучение "грамоты", стандартного (канонического), но универсального и расширяемого "языка", и развитию способности грамотно читать практически любые тексты.
Создание собственных сочинений (вернее - "изложений") по заранее написанному, увлекательному литературному произведению.
************

Помимо развития техники, нам представляется очень полезным развивать способность "внутренне видеть", представлять, "грезить танцами". И далее сформировать связку между внутренним видением и реальными движениями тела: представил, "внутренне увидел" - реально выполнил.

Для этого можно использовать уже наработанные методики развития образного, эйдетического мышления в сочетании с известной в спорте методикой идеомоторной тренировки.

"Идеомоторная тренировка представляет собой мысленное воспроизведение ранее изученных приемов и действий. Применение в ходе обучения идеомоторной тренировки позволяет спортсменам выработать способность четкого представления в своем сознании отдельных элементов спортивной техники, тонко анализировать возникающие при этом мышечно-двигательные, зрительные и другие ощущения, выработать внимание и быстроту реакции. Идеомоторная настройка способствует приведению в готовность всего психофизического аппарата спортсмена (специальных ощущений, восприятии и необходимого мышечного тонуса) и создает оптимальное состояние нервных структур, ответственных за реализацию целенаправленных двигательных навыков".

"Ежедневно, ложась спать, спортсмен прокручивает перед мысленным взором правильное исполнение упражнения…".

Я лично разговаривал с девушкой, которая занимается постановкой танцев, о том, как она это делает и как этому училась. Она прошла интенсивный тренинг воображения и образного мышления в Московском центре "Эйдос". Дома, перед сном она включала музыку, ложилась в постель и минут сорок грезила. Наконец дошла до того, что образы по яркости и реалистичности стали практически неотличимы от того, что мы видим глазами. Теперь, когда ей надо отработать танец, она "включает внутри себя музыку" и "видит" сцену и танцующих, "видит" желанный танец и управляет его созданием. Потом исполняет и показывает этот танец своей группе, передает ей свое "видение".

А вот, о том же самом, слова вышеупомянутого хореографа (его текст везде набран курсивом):

"Сначала музыка врывается в мои разум и чувства, побуждая тело танцевать ее. Часто я погружаюсь в своеобразную медитацию под музыку, которая теперь продолжает звучать в моем внутреннем пространстве. Я начинаю "видеть" всю композицию, рисунок танца, просматриваю линии, переходы, вижу танцующих людей. Но вижу не детальные движения, а скорее общий узор. Далее, я должен включить "настоящую" музыку и начать танцевать, чтобы через тело прочувствовать сложные связующие элементы, переходы, отдельные движения. Тело мне подсказывает и дополняет то, что я вижу".

Танцевать можно не только наяву, но в грезах и снах (в том числе, - в осознанных снах), и это открывает уникальные возможности. Похожее с успехом уже используется в спорте. Такой путь представляется весьма перспективным и для обучения и для создания новых танцев и для многого другого...

Танцы, сны, грезы - всё это некий язык души, нечто психически изначальное, словно мост или тропинка между внутренним миром и сознанием. Я убедился, что стоит лишь захотеть и применить минимальные "техники" (например, создать намерение танцевать во сне), как танцы начинают появляться во снах все чаще, тем более в осознанных снах. Это очень похоже на то, как развивают способность "летать", путешествовать, переживать желанные приключения в сновидениях. Но, в отличие от "полетов", опыт танца во сне вполне и даже очень переносим в реальность, в реальный танец. Это может быть одна из наиболее уникальных возможностей воплотить свои грезы и сны во что-то осязаемое и совершенно реальное.

(Немного лирики :-)
И всё же, что это такое - танец и чем он привлекает?

Когда мы расспрашивали своих знакомых о танцах, о сути танцев, то в разных словах и формулировках практически всегда говорилось о том, что танец - это особый язык для выражения эмоциональных переживаний и чувств, чего-то звучащего в душе. В книгах, статьях пишут о том, что "танец - это язык тела", "танец - это язык выразительных движений, который передаёт то, что чувствует человек", "танец - это история, рассказываемая телом, движением, ритмом"…

Язык танца позволяет самому танцору полнее и лучше почувствовать то, что происходит в его душе и "рассказать" о своих переживаниях и чувствах окружающим. Возможно, танец имеет ту же основу, что и обычный эмоциональный язык мимики и жеста, что и обычная эмоциональная выразительность. Однако это более сложный и выразительный язык, в котором целенаправленно и богато задействовано всё тело.

Танец - это создание образа и перевоплощение, другие миры, разные жизни. Это слияние с музыкой, яркие сильные чувства, красивые отношения.

Танцы это просто приятно. Это способ отвлечься от повседневных забот и отдохнуть, снять напряжение, поправить настроение и душевное состояние, физически размяться. Танцы - это возможность невербального общения, способ настроится друг на друга, что-то друг другу передать. Это чувственность, эротичность, единый ритм и желание доставить друг другу удовольствие… Это путь для лучшего понимания и прямого чувствования друг друга (чувствования в самых разных смыслах).

Танцами можно заниматься как физкультурой и спортом. Это красивый и эмоционально богатый способ гармонично развить и укрепить тело, его координацию, ловкость, скорректировать фигуру, избавиться от многих заболеваний и улучшить здоровье. Это способ самосовершенствования. Возможность найти и "показать", испытать себя…

Особые спонтанные или медитативные танцы - это возможность войти в необычные и привлекательные состояния, достичь внутренней гармонии, чистоты, просветления…

Иногда танец сродни грезам или мечтам, полету во снах.
Меня уже давно привлекают танцы во снах (особенно - в осознанных снах), но лишь недавно я догадался, "вычислил", что это таит в себе интереснейшие возможности. Это и более чем идеомоторный тренинг и очень увлекательное "развлечение". Как и многое во снах, там танцы невероятно реалистичны, "как настоящие", но при этом свободнее, "безопаснее", чем на тех же танцевальных вечерах, на сцене или на занятиях. Особенно "интересно" то, что "партнерами" выступают персонажи твоего внутреннего мира, твоей души. И вы вместе сонастраиваете свои ритмы, строите близкие, "телесно-духовные" отношения. Есть серьёзные основания думать, что подобные "танцы" могут прекрасно гармонизировать душу, согласовывать её части между собой, а может быть, делать и нечто ещё, очень важное.

Все вышеперечисленное - лишь "вершина айсберга". Есть профессионалы и "профессиональные" любители, для которых танцы - это почти вся их жизнь или её большая часть. Кроме того, танцы это вообще нечто глобальное и изначальное. Ведь "танцуют" не только люди, но и многие животные, птицы, даже насекомые. Для многих древних культур танцы являлись одним из важнейших элементов, да и в современном мире есть места и страны, где танцы продолжают оставаться неотъемлемой частью национальной культуры (например, африканской или латиноамериканской).

************

Хотелось бы сказать еще об одном, на наш взгляд очень важном, аспекте. На что ориентироваться - на универсальность и творчество или узкую специализацию? Каждое из них имеет свою цену. В танцах это не только затраченные усилия, совершенство методик или уникальный талант ученика и педагога. Человек с универсальной, пусть даже профессиональной танцевальной подготовкой вряд ли сумеет исполнять сложные спортивные танцы столь же четко и правильно, как те, что специализировались на этом годами. А те, кто великолепно импровизируют "от музыки в душе" не обязательно сумеют точно воплотить в танце замысел постановщика сценических танцев.

Каждый выбирает то, что наиболее ему подходит, что отвечает его целям и желаниям. Но когда речь идет о ребенке, когда не известно захочет ли он стать профессиональным танцором, какой стиль и понимание танца предпочтет в будущем, то все же направленность на УНИВЕРСАЛЬНОСТЬ, универсальное танцевальное развитие представляется наиболее верной. Для этого в окружении ребёнка, в его жизни можно создать среду и условия, в которых бы естественно развивались разные способности: танцевальные, общие физические (координация, осанка, моторика, пластика, гибкость), музыкальные, художественные…

Важно, чтобы все это стало частью "обычной", повседневной жизни ребенка, частью "естественной", развивающей среды, окружающего мира.

Это могут быть, например, такие "элементы" или часть из них, в зависимости от возможностей и пристрастий родителей:
Искренний интерес родителей и "значимых других" к танцу, в частности к танцу своего ребёнка. Танцы самих родителей в поле восприятия ребёнка и танцы вместе с ребёнком.
Разнообразная музыка, которая побуждает танцевать. Причем, важно сделать так, чтобы ребёнок мог выбирать и включать её по своему желанию.
Фильмы, кассеты с красивыми и привлекательными для ребенка танцами, "танцевальными" движениями и упражнениями, миниатюрами. Фотоальбомы, картины, книги (о танцах и танцорах, о хореографии, театре…).
Посещение театров, концертов, мест, где красиво и естественно танцуют, в частности, - танцуют дети.
Удобное место для танцев со станком по росту ребёнка и большим зеркалом. Место для общего танцевального и физического развития.
Поиск хороших педагогов и групп для занятий.
Разговоры о танцах, обсуждения и размышления. Развитие навыков осознания и чувствования танца, движений, их особенностей, смысла, идей...
Наконец, можно добавить ещё и такую экзотику, как обучение и поощрение к танцам в снах и в воображении.
Все это почти в полной мере можно применить и к взрослым учащимся, если мы хотим повысить эффективность танцевального обучения.

По материалам сайта dreamsite.narod.ru

Методы обучения бальным танцам

Методика обучения бальным танцам разработана довольно широко. Выпущено большое количество книг, как российскими так и зарубежными педагогами и методистами. Однако специфические особенности бального танца, как массовой формы хореографии, индивидуальные качества преподавателя. вносят свои коррективы в методику преподавания.

Наибольшую сложность для педагога представляет работа с начинающими. Они быстро устают, допускают много ошибок при исполнении, часто забывают пройденное. Чтобы добиться хороших результатов в обучении и воспитании, педагог должен использовать такие приёмы, которые делают урок интересным, концентрируют внимание учащихся. Однако занимательное надо умело сочетать с малоинтересным, но необходимым.

Задача работы - выявить общее содержание основных методов обучения бальным танцам, так как частности зависят от индивидуальности педагога.

При всём многообразии методов и приёмов обучения необходимо выделить наиболее сложившиеся в практике преподавания бального танца. Прежде всего, аналитическая работа как в начале, так и в процессе всего обучения обеспечит эффективность освоения программы. Остановимся на основных способах повышения эффективности обучения бальному танцу.

Занятия должны быть разнообразными как по содержанию (ритмические упражнения, задания на ориентировку, разучивание упражнений тренировочного характера, разучивание и повторение танцев), так и по набору применяемых методов. Это может быть небольшая беседа в виде вопросов и ответов, прослушивание музыки и самостоятельный её разбор, наблюдение учащихся за объяснением и показом педагога, разучивание и повторение движений, танцев.

При повторении необходимо избегать однообразия, скуки, вносить в знакомое движение, танец, элемент новизны, предъявлять новые требования, ставить новые задачу. Любое задание, которое предлагается выполнить учащимся, должно соответствовать степени подготовленности к нему.

Занятия должны идти в хорошем темпе, не следует долго отрабатывать одно и то же движение, танец, долго объяснять, пытаться научить всему сразу. На уроке следует закрепить все навыки, которые вырабатывались ранее, повторить пройденные движения и фигуры, уточнить освоенное не до конца.

Разучивание танцев проводится в следующей последовательности.

Вводное слово педагога. Перед разучиванием нового танца педагог даёт общую характеристику танцу - говорит об истории его возникновения, отмечает характерные особенности музыки и хореографии.

Если название не совсем понятно, даёт объяснение к названию.

Далее идёт прослушивание музыки и её анализ. определяется её характер, темп, музыкальный размер, ритмический рисунок, определяется строение (части музыкального предложения, фразы).

Разучивание элементов танца, танцевальных движений, поз, переходов и рисунка танца. Приступая к разучиванию движений, поз, переходов, рисунка, педагог объясняет и показывает их сам, затем то же повторяют ученики. Этот метод является традиционным и широко используется при обучении.

При разучивании движений с детьми и начинающими хорошие результаты даёт метод, при котором ученики повторяют движение вместе с объяснением и показом учителя и, лишь затем исполняют движение самостоятельно. Это позволяет педагогу, фиксируя внимание на тех частях движения, где чаще всего допускаются ошибки, своевременно поправлять их. А ученики имеют возможность лучше разобраться в структуре движения, почувствовать его, быстрее запомнить.

Процесс разучивания обычно сопровождается музыкой или и же под счёт педагога. Наиболее распространённая последовательность разучивания под счёт и музыку такая: педагог показывает под счёт, ученики выполняют движение под счёт. Затем педагог показывает под музыку, ученики выполняют движение под музыку.

Существует несколько методов разучивания танцевальных движений. Выбор метода зависит от сложности его структуры, входящих в него элементов.

Так метод разучивания по частям сводится к делению движения на простые части и разучиванию каждой части отдельно с последующей группировкой частей в нужной последовательности в единое целое. Этим методом разучивается, например, шаг польки, который можно разложить на две части: подскок и тройное переступание; или движение вальса, где можно разучивать отдельно сначала первую половину поворота, затем - вторую.

Целостный метод разучивания заключается в разучивании движения целиком в замедленном темпе.

Для разучивания особенно сложных движений может быть применено временное упрощение; этот метод заключается в том, что сложное упражнение сводится к простой структуре и разучивается в таком виде. Затем движение постепенно усложняют, приближаясь к законченной форме.

Каждый метод разучивания имеет свои достоинства и недостатки. Так, при разучивании вальса по частям, когда отработана каждая часть отдельно, у учащихся возникают трудности при исполнении подряд двух частей. Они плохо ориентируются при поворотах. В то же время разучивание вальса методом упрощения даёт учащимся точное представление об ориентировке в пространстве и повороте в целом, но затрудняет отшлифовку элементов каждой части.

Разучивание положения рук и позы в парном танце. Разучиваются сначала в положении стоя на месте, затем закрепляются на простом танцевальном шаге, и лишь когда положения рук и поза легко и естественно принимаются учащимися, можно закрепить их на практике.

Полезно при разучивании положений рук и поз в парном танце объяснять и показывать каждый элемент отдельно. Такой метод позволяет добиться лучшего запоминания правил исполнения, более точного повторения элементов всеми учащимися. Одновременно с разучиванием упражнений для рук и корпуса должна вестись постоянная работа над позами и положениями в парном танце.

В заключение разучивается соединение танцевальных движений, поз, переходов, рисунка в танцевальные комбинации, фигуры и целый танец.

Когда основные движения, позы, рисунок разучены, приступают к соединению их в танцевальные комбинации, которые разучиваются и отрабатываются. Затем комбинации собираются в фигуры танца, а фигуры - в целый танец. Фигуры танца и весь танец многократно повторяются учащимися и в целях запоминания, и для достижения более грамотного музыкального и выразительного исполнения.

Работа над художественным образом. Среди части педагогов распространено представление о том, что лишь при постановке сценического танца надо стремиться передавать художественный образ.

Любой танец - бальный, массовый, народный - эмоционально окрашен. В любом танце утверждаются определенные черты характера, определённые взаимоотношения между танцующими. Поэтическая задумчивость одного танца сменяется необузданной весёлостью другого и сдержанностью, величавостью третьего и т. п.

Представление о танцевальном образе у учащихся складывается постепенно. Обычно работа над танцевальным образом начинается с прослушивания музыки. Это помогает яснее представить характер образа, стиль танца.

Рассказ педагога о танце, о быте и нравах, обычаях того народа, чей танец разучивается, анализ того, какое они нашли отражение в танце, основные сведения об эпохе, в которую возник танец, знакомство с отличительными особенностями костюма, правилами этикета того времени, знание того, как эти бытовые характеристики проявились в бальном танце, расширяют и обогащают кругозор учащихся, дополняют образ, созданный музыкой.

С разучивания движений танца, отработки поз, положений рук начинается основная работа над танцевальным образом. Точный показ педагога должен помочь ученикам увидеть типичные черты образа. В этом случае большую помощь может оказать показ танца учениками, которым удалось найти точный, выразительный характер исполнения.

Таким образом, чтобы весь процесс обучения танцу был плодотворным, следует сочетать наглядность, технического совершенствования с осмыслением, с творческим поиском учащихся. Одна из задач, стоящих перед педагогом бального танца - научить видеть, чувствовать, понимать и создавать прекрасное в танце. И если задача решается, то тогда, занимаясь в коллективе, учащиеся не просто выучат определённое количество движений и танцев, но на каждом занятии будут познавать своеобразный выразительный язык хореографического искусства, получат представление о хореографии как о синтетическом виде искусства, где тесно переплетаются музыка и пластика. А работая над танцевальным образом, будут находить наиболее красивые и выразительные позы и движения.

Некоторые особенности в процессе обучения бальным танцам детей и подростков. Обучение бальному танцу лучше начинать с детства. Педагогами-хореографами созданы специальные детские танцы на основе лучших народных плясок и доступных элементов бальных танцев.

Однако, работая с детьми, следует учитывать, что для младших школьников характерно слабое развитие мышц, дети быстро устают от физических нагрузок. Из-за слабости мышц спины они не способны долго удерживать корпус в прямом положении. Педагог должен обратить внимание на укрепление и развитие мышц, формирование устойчивых навыков правильной осанки и совершенствование основных естественных движений.

Слабость дыхательных мышц, недостаточно развитая сердечно-сосудистая система - все эти особенности требуют от педагога очень осторожного увеличения физической нагрузки.

У детей младшего школьного возраста недостаточно развит анализаторный аппарат: зрительная, слуховая, мышечная и вестибулярная чувствительность, несовершенно восприятие: дети не умеют долго слушать музыку, неточно воспринимают движение, плохо ориентируются в пространстве и времени. Развитие органов чувств, сенсорных умений и совершенствование восприятия должны стать первоочередной задачей обучения.

Хотя такие важные для занятий бальным танцем способности, как координация движений и моторная память, развиты у детей слабее, чем у взрослых, следует отметить, что эти способности быстро развиваются посредством упражнений и что младший школьный возраст является благоприятной порой для занятия танцем.

Нельзя не учитывать при работе с детьми младшего школьного возраста того факта, что у них не развиты такие волевые качества, как настойчивость, целеустремленность, упорство, дисциплинированность. Поэтому особую привлекательность приобретают для детей этого возраста занятия по танцу, если они строятся на простом материале и включают элементы игры или соревнования.

Хотя у подростков по сравнению с младшими школьниками имеются объективные возможности для успешных занятий танцем - лучше развита моторика, чувство ритма, умение передавать характер, стиль танца, - этот возраст имеет и некоторые свои сложности, которые педагог не может не принимать во внимание.

В возрасте 11-14 лет начинается половое созревание детей, что, в свою очередь, сказывается на внешнем виде и взаимоотношениях мальчиков и девочек. Например, они смущаются при выполнении танцевальных движений, стесняются становиться в пары.

Серьезная, вдумчивая работа с детскими коллективами по обучению бальному танцу, следование методике обучения (использование как предыдущего опыта, так и освоение нового), правильный учёт возрастных психологических особенностей позволяют выделить основную направленность в работе педагога: внимание сенсорному воспитанию, развитие музыкальности, танцевальной координации движений, умение ориентироваться в пространстве, формирование первоначальных танцевальных навыков и умений.

Выбор методов и приёмов обучения зависит от типа коллектива, его задач, состава учащихся, их подготовленности, срока обучения, возрастных особенностей и целевых установок. Обучение бальному танцу – это всегда творческий процесс, в котором важную роль играют знания, умения и индивидуальные качества преподавателя.

Источник материала